Guia dos Teatros

"A História do Soldado" em Dezembro por João Garcia Miguel

2011-11-25T08:02:00.000-08:00

"Quem Tem Medo de Virginia Woolf" no D. Maria II

2011-11-25T07:59:00.000-08:00

"A Purga" no Teatro Aberto - últimos dias

2011-11-25T07:58:00.000-08:00

informação enviada pelo actor Rui Neto

José Raposo em "Macbeth" de Heiner Müller na Casa Conviniente

2011-11-23T20:42:00.001-08:00

O ciclo Heiner Müller prossegue na Casa Conveniente já em Dezembro com MACBETH, um espectáculo de Mónica Calle, a partir da adaptação da tragédia de Shakespeare pelo dramaturgo alemão.

MACBETH estará em cena de 7 a 17 de Dezembro de 2011, todos os dias em sessões duplas (1a sessão às 20h; 2a sessão às 22h).

No papel de Macbeth, e a colaborar pela primeira vez com a Casa Conveniente, está o actor José Raposo. O elenco conta ainda com as participações de Bruno Candé Marques, Mário Fernandes e René Vidal, actores em Recordações de uma revolução (enc. Mónica Calle, a partir de "A Missão" de Heiner Müller). De Luís Afonso, que aqui fará a sua estreia profissional. E das actrizes da Casa Conveniente Ana Ribeiro, Mónica Calle, Mónica Garnel e Rute Cardoso.

fotos de Bruno Simão

Programação cultural será afectada devido à Greve Geral

2011-11-23T18:43:00.000-08:00

A greve geral convocada para quinta-feira pelas duas centrais sindicais, CGTP e UGT, vai afectar a programação cultural em várias salas de espectáculos.

Numa ronda de contactos por espaços culturais, a agência Lusa verificou que vários espetáculos previstos para quinta-feira foram adiados, antecipados ou cancelados devido à greve.

No Teatro Municipal de Almada, a peça "Do Amor", de Lars Nolén, com encenação de Solveig Nordlund, não será representada na quinta-feira, porque os trabalhadores daquela instituição, "reunidos em plenário, decidiram aderir à greve geral".

No espaço Galeria Zé dos Bois (ZDB), em Lisboa, também não irá realizar-se nesse dia o espetáculo da companhia de teatro Primeiros Sintomas. Com encenação de Bruno Bravo, "A Boda", de Anton Tchékhov, e "A Boda", de Bertolt Brecht, regressam ao palco da ZDB na sexta-feira. "Comunicamos que os Primeiros Sintomas irão aderir à greve geral marcada para o dia 24 de Novembro", refere a companhia na sua página oficial na Internet.

Ainda em Lisboa, o Teatro do Bairro e o Teatro da Cornucópia não terão espetáculos na quinta-feira, porque os trabalhadores irão aderir à paralisação.

O espetáculo "MetropoLIS", pelo grupo de Teatro Ultimacto, estava marcado para quinta-feira, mas foi antecipado um dia. De acordo com fonte do Teatro do Bairro, serão 29 os trabalhadores a aderirem à greve.

Segundo adiantou à Lusa fonte da Cornucópia, os 15 atores do elenco da peça "A Varanda", de Jean Genet, que estará em cena até 18 de Dezembro, estarão em greve naquele dia.

O concerto de Sérgio Godinho no Coliseu dos Recreios, em Lisboa, para apresentar o álbum "Mútuo Consentimento" e celebrar 40 anos de carreira, foi inicialmente marcado para quinta-feira, tendo entretanto sido adiado um dia.

Num comunicado, a promotora Vachier, justificou o adiamento com o anúncio da greve geral.

Apesar de não terem espetáculos em cena na quinta-feira, e de acordo com um comunicado hoje divulgado pelo Sindicato dos Trabalhadores de Espectáculos (STE), os trabalhadores dos Teatros Nacionais D.Maria II e São Carlos, da Companhia Nacional de Bailado, da Comuna - Teatro de Pesquisa, Teatro da Garagem e Teatro Instável, em Lisboa, "estarão em greve".

O mesmo acontece com os trabalhadores de O Bando, em Palmela, do Teatro Extremo, em Almada, e do Teatro de Animação de Setúbal.

No Teatro Garcia de Resende, em Évora, a peça "Café Mário", de Pierre-Etienne Heymann, pelo Centro Dramático de Évora (CENDREV), também não irá a cena devido à greve, sendo as representações retomadas na sexta-feira.

O comunicado do STE refere que, no Alentejo, estarão também em greve os trabalhadores do Teatro Fórum de Moura, da companhia Lêndeas de Encantar, de Beja, da Baal 17 (Companhia de Teatro na Educação do Baixo Alentejo) e do Teatro do Mar, em Sines.

No Porto, foi "adiada, devido à greve geral", a estreia da peça "Monstros de Vidro", no Teatro Carlos Alberto.

Num comunicado, a companhia Visões Úteis refere que se "solidariza com a greve geral e com todos os trabalhadores que a ela adiram".

A peça "Monstros de Vidro" estreará na sexta-feira. Para o dia, hora e local em que esta peça deveria inicialmente estrear-se foi marcada uma concentração.

Os elementos da Visões Úteis estarão na quinta-feira no Teatro Carlos Alberto, no Porto, às 21:30, "para lembrar que o preço da cultura é infinitamente mais baixo do que o preço da ignorância e barbárie em que iremos mergulhar sem ela".

A Associação de Profissionais das Artes Cénicas (PLATEIA) "convidou todos os seus associados" a juntarem-se a esta concentração.

Ainda no Porto, a Seiva Trupe não levará à cena, no Teatro do Campo Alegre, o espetáculo "Falácia", de Carl Djerassi, "devido à greve geral", disse à Lusa fonte daquela companhia de teatro.

No Teatro do Bolhão, também não haverá espetáculo ("A Menina do Mar") por causa da greve geral.

Apesar de não terem programação prevista para quinta-feira, também os trabalhadores do Teatro Nacional de São João, do Festival Internacional de Marionetas de Porto (FIMP), do Teatro de Ferro, em Vila Nova de Gaia, e o Teatro Aveirense, em Aveiro, estarão de greve, informa o STE.

"Pequenos Burgueses" no Teatro da Trindade

2011-11-23T18:39:00.000-08:00

O Teatro da Trindade, em Lisboa, apresenta até dia 27 de novembro, na Sala Estúdio, a peça Pequenos Burgueses, um espetáculo de teatro criado a partir da obra homónima de Carlos de Oliveira.

Pequenos Burgueses propõe ao público que se deixe contagiar pelo universo literário do escritor até ao mais ínfimo pormenor, até ao grão de cada palavra ditaem cena. Este espetáculo parte da micro-paisagem de homens e mulheres embrenhados nos seus conflitos íntimos e sociais. Conflitos que são um reflexo das suas escolhas e vontades. Pequenos Burgueses descobre o sonho de um homem, duplamente coxo, e o seu destino em busca de uma mula.

A encenação e dramaturgia é de Nádia Nogueira, co-criação e interpretação de Diogo Fernandes Andrade e Nádia Nogueira, a música é original de Pedro Sousa. A produção é da Cercabranca.

As sessões são de quinta a sábado, às 21h45 e domingo, às 17h00. Bilhetes à venda na bilheteira do teatro.

Clara Inácio in “Canela & Hortelã”

"Tristeza e Alegria na Vida das Girafas" estreia na Culturgest

2011-11-23T18:33:00.000-08:00

A nova peça de Tiago Rodrigues apresenta-nos uma menina alta de nove anos, cuja mãe lhe chamava Girafa, que gosta de palavras novas e tenta entender um mundo em que o desemprego do pai a deixou sem Discovery Channel.

Chama-se "Tristeza e Alegria na Vida das Girafas" a peça que se estreia quinta-feira no grande auditório da Culturgest, em Lisboa, e é esse também o título do trabalho que a menina (Carla Galvão) tem de fazer para a escola, razão pela qual precisava de ver o Discovery Channel, que passa documentários sobre a vida animal.

Na ausência da mãe, que era violinista e escritora e morreu, o desemprego do pai (Miguel Borges), que é ator, exaspera-a porque a impede de ver o seu canal preferido, o que a faz revoltar-se e fugir com o seu urso de peluche que, apesar da voz grossa e dos palavrões que diz de rajada de cada vez que os adultos não estão por perto, se chama Judy Garland (Tonán Quito), nome que ele obviamente detesta.

Texto e encenação Tiago Rodrigues Intérpretes Carla Galvão, Miguel Borges, Pedro Gil e Tónan Quito Música e sonoplastia ALX Cenário e figurinos Magda Bizarro e Tiago Rodrigues Luz e apoio técnico André Calado Figurino Urso Sandra Neves Imagem do cartaz Afonso Cruz Participação especial Beatriz Bizarro Rodrigues Produção executiva Ana Pereira e Magda Bizarro Produção Mundo Perfeito & AnaPereira.PedroGil Co-produção Mundo Perfeito, AnaPereira.PedroGil, Culturgest e TAGV

Tristeza e Alegria na Vida das Girafas é a história duma menina de 9 anos que atravessa a cidade de Lisboa em busca da única pessoa que pode ajudá-la: o primeiro ministro Pedro Passos Coelho.

Neste espectáculo, Tiago Rodrigues volta a usar o teatro para tentar interferir com a nossa percepção da realidade social e política, mas também do próprio teatro. E fá-lo através da voz de uma criança que apresenta um trabalho escolar e empreende a tarefa enciclopédica de tentar explicar o mundo.

Desse estranho mundo chamado Lisboa fazem parte a crise económica, a aventura heróica de um urso de peluche com tendências suicidas chamado Judy Garland, o Discovery Channel, uma violinista que já é só uma fotografia, um pantera negra, o dicionário escolar da editorial Sampaio, o cientista búlgaro ou dramaturgo russo Anton Tchekhov e uma menina alta demais para a sua idade a quem a mãe chamava girafa.

Mergulhado nas trevas esperançosas do imaginário infantil, este espectáculo tem medo do que as crianças pensam e raiva do que os adultos fazem.

O Mundo Perfeito destaca-se pelo trabalho no campo da nova dramaturgia e pelo espírito de colaboração com artistas nacionais e internacionais, tendo apresentado os seus espectáculos em diversos países. Entre os mais recentes contam-se The Jew (com os holandeses Dood Paard), Hotel Lutécia e Se uma Janela se Abrisse. Na Culturgest apresentou em 2007 Duas Metades; Tiago Rodrigues escreveu Coro dos Maus Alunos para os PANOS 2009. AnaPereira.PedroGil interessam-se por novas formas de escrever para a cena, privilegiando processos de co-criação, transdisciplinares e de experimentação. Das suas criações destacam-se Homem-Legenda, Centro de Dia e Mona Lisa Show.

"Ora Vira Euro Troika o Passos!" estreia no Teatro Maria Vitória

2011-11-23T18:30:00.001-08:00

"Ora Vira Euro Troika o Passos!" tem texto e encenação de Francisco Nicholson, a partir da atualidade político-social portuguesa, música de José Cabeleira e Pedro Lima e produção de Hélder Freire Costa.

Regressam ainda à sala do Parque Mayer nomes como Marco de Camillis, que assina as coreografias, e Magda Cardoso, autora dos figurinos.

Florbela Queiroz e Paulo Vasco lideram o elenco, que integra também Carlos Queiroz, David Ventura, João Duarte Costa, Élia Gonçalves, Érika Mota e Sofia Arruda.

A fadista Ana Marta que foi distinguida este ano com o Prémio Amália Revelação, estreia-se aqui no teatro de revista.

O Teatro Maria Vitória, o único em Lisboa a apresentar regularmente um espetáculo de revista por ano, foi recentemente remodelado depois de, a 13 de junho, uma viga de madeira da cobertura ter caído, provocando a derrocada de parte do teto falso.

O espetáculo assinala a reabertura da sala depois da remodelação, que contou com o apoio da Câmara Municipal de Lisboa.

"A Varanda" na Cornucópia

2011-11-19T20:38:00.000-08:00

A Varanda de Jean Genet apresenta-se, a partir desta quinta-feira, no Teatro da Cornucópia. Depois da companhia ter apresentado Ela, do mesmo autor, a Cornucópia assume que este é um dos espectáculos mais arriscados da sua história.

O escritor francês Jean Genet associa a nossa sociedade a um bordel de luxo. O texto adaptado ao teatro parte para uma reflexão filosófica e política sobre uma sociedade toda fundada em relações de poder, sobre a História e os comportamentos humanos.

Nesse bordel de ilusões a que chamam A Varanda, as prostitutas ajudam a construir fantasias para o prazer dos clientes que imitam ou espelham as relações e as estruturas do poder: a igreja, a justiça, o exército, a polícia, mas também a relação patrão/escravo, rico/pobre e as relações amorosas.

As referências à verdadeira história passam pela Espanha do tempo da República e da Guerra civil, mas tudo é construído como uma grande metáfora.

Para compreender a história, em muito ajudam as interpretações de um elenco que inclui Beatriz Batarda, Dinarte Branco, Dinis Gomes, João Grosso, José Manuel Mendes, Luis Lima Barreto, Luis Miguel Cintra, Luísa Cruz ou Rita Durão.

Com encenação de Luís Miguel Cintra, este espectáculo representa para a Companhia "um enorme esforço de produção" na época de crise em que vivemos. O objectivo é o de afirmar a "poesia dramática, contra as regras de mercado a que, para sobreviver, inevitavelmente estará condenado como "indústria cultural"", pode ler-se na descrição da peça.

Podem entrar nesta Varanda de terça a sábado às 20h30 e aos domingo às 16h00. Os bilhetes custam €15.

"Pinóquio" no Teatro Politeama

2011-11-19T20:02:00.000-08:00

A história de Pinóquio, criada no século XIX pelo autor Carlo Collodi, sobre um boneco de madeira que queria ser um menino de verdade, foi adaptada por Filipe La Feria para um musical que estreará no sábado em Lisboa.

Era uma vez um velho carpinteiro de seu nome Gepeto que constrói um boneco de madeira muito bonito e dá-lhe o nome de Pinóquio. À noite, pede às estrelas para que o seu boneco se transforme num menino de verdade. Enquanto Gepeto dorme, Pinóquio recebe a visita da Fada Azul que dá vida ao boneco e promete-lhe que se ele se portar bem, o transforma num menino de carne e osso, fazendo do Grilo Falante a consciência de Pinóquio. Na manhã seguinte, quando Gepeto acorda, fica radiante de alegria e inscreve Pinóquio numa escola. No seu primeiro dia de aulas, Pinóquio encontra pelo caminho Estrambólico que o alicia para trabalhar no seu circo, além da Raposa Marilu e do Gato Gastão que o convencem a conhecer a Ilha da Diversão da Rebeca Vilã, onde ninguém trabalha. Pinóquio, que é muito aventureiro, esquece-se de consultar a sua consciência e segue viagem numa carroça, puxada por uns burrinhos muito infelizes. Ao chegarem, Pinóquio vê que na ilha tudo é muito bonito, cheio de doces, cores e jogos.

Enquanto brinca, percebe que lhe estão a crescer as orelhas e um rabo de burro no seu corpo. Fica muito assustado e chama pelo Grilo Falante. O Grilo pergunta então a Pinóquio o que estava a fazer na ilha e Pinóquio mente. Porém, a cada mentira, o seu nariz cresce cada vez mais e o Grilo não sabe como ajudar o seu amigo. Os dois descobrem que as crianças que vinham para aquele lugar eram transformadas em burrinhos. Resolvem pedir ajuda à Fada Azul que os salva daquela humilhante situação, enviando uma águia para os resgatar.

Quando volta para casa, Pinóquio não encontra Gepeto e vai à procura dele. Pinóquio entra no mar e pergunta a todos os peixinhos que encontra se conheciam a baleia Monstro até ser engolido por ela. Dentro da barriga do Monstro, encontra Gepeto. O Grilo Falante tem a ideia de fazer uma fogueira na barriga da baleia. A baleia espirra com tal força, por causa do fumo, que os expele aos três. Quando regressam a casa, a Fada Azul como recompensa pela valentia e lealdade de Pinóquio, transforma o boneco num menino de verdade.

Com Joel Branco, Ana Rita Dionisio, Sara Cabeleira, Hugo Goepp, Sérgio Lucas, Bruna Andrade, etc, numa encenação de Filipe La Féria no Teatro Politeama.

"Numa Noite o Rio Passou" em Setúbal

2011-11-19T19:57:00.000-08:00

O Teatro ABC.PI, natural de Almada, vai estrear a peça Numa Noite O Rio Passou, a partir do universo de Miguel Torga, com texto de Miguel Castro Caldas e encenação de Laurinda Chiungue.

Será no Teatro Estúdio Fontenova, Rua Doutor Sousa Gomes nº11, em Setúbal, dia 15 de Dezembro pelas 21.30 horas com apresentações até dia 18.

Preço dos bilhetes:

5€ para <30 anos, > 65 anos, desempregados e profissionais do espectáculo

7€ para o restante público

Contactos para informações:

tlm: 925471856 / 919615127 | e-mail:teatroabc.pi@gmail.com

Sinopse:

Dois intérpretes, uma bailarina e um actor, e um universo percorrido dentro de um limite espacial que se liberta à medida que se liberta o texto, gestos, movimentos, numa fisicalidade despoletadora de acções através do corpo e da palavra.

Dois namorados: Isabel, contrabandista, está no lado de Espanha e quer passar o rio com a mercadoria metida na barriga. Robalo, o guarda-fiscal está em Portugal e tem ordens para atirar a quem passe. Estão os dois parados, num impasse. O rio é que consegue essa proeza, de estar sempre em movimento ao mesmo tempo que está sempre ali.

A história deste espectáculo vai beber ao universo de Miguel Torga toda a essência da sua criação, e através das palavras de Miguel Castro Caldas a dimensão de uma nova visão de Torga.

Ficha Artística e Técnica

Laurinda Chiungue | Direcção Artística

Maria Radich | Interpretação

Miguel Eloy | Interpretação

Laura Frederico | Assistência à encenação

Miguel Castro Caldas | Texto

Pedro Frutuoso | Cenografia

André Nascimento | Música e Sonoplastia

ARTICACC | Desenho de Luz

Cristina Tasqueira | Produção Executiva

Escola da Noite estreia "Animais Nocturnos"

2011-11-19T19:52:00.000-08:00

A Escola da Noite estreia no próximo mês de Dezembro a terceira e última produção do ciclo dedicado à dramaturgia espanhola contemporânea. “Animais Nocturnos”, de Juan Mayorga, parte da situação de fragilidade em que se encontram os imigrantes ilegais nas sociedades ocidentais.

Dois vizinhos do mesmo prédio cruzam-se durante meses na escada sem trocar mais do que saudações mecânicas. Um dia, um deles toma a iniciativa e força o diálogo. Iniciam então uma estranha relação, que acaba por alterar radicalmente as suas vidas e as das suas famílias.

“Se eu tenho conhecimento de que alguém está ilegal, sem papéis, imediatamente fico numa posição de superioridade em relação a essa pessoa”, lembrou Juan Mayorga em Coimbra no passado dia 9 de Novembro, quando participava na VI Jornada de Dramaturgia Espanhola Contemporânea, organizada pel'A Escola da Noite. Foi a partir dessa constatação que escreveu “Animais Nocturnos”, em 2004. A peça trata da forma como essa assimetria na relação entre cidadãos pode ou não ser aproveitada (e de como é ou não possível resistir-lhe).

Escrito num país que assiste regularmente à morte de imigrantes ilegais nas praias do mediterrâneo e a pretexto de uma lei específica do estado espanhol, o texto adquire rapidamente uma leitura universal. Com diferentes cambiantes e através de diferentes mecanismos, a divisão de uma sociedade entre membros legítimos e não legítimos, entre cidadãos de primeira e de segunda ou terceira categoria estrutura as nossas vidas e os nossos comportamentos. De uma forma mais profunda e mais próxima de nós do que, como nos mostra Mayorga, gostaríamos de supor.

“Animais Nocturnos” encerra o ciclo de três espectáculos dedicados à dramaturgia espanhola contemporânea, iniciado em Dezembro de 2010 com “Noites de Amor Efémero”, de Paloma Pedrero, e cujo segundo momento foi “Teatro Menor”, de José Sanchis Sinisterra (Junho de 2011).

Com encenação de António Augusto Barros e tradução de António Gonçalves, o espectáculo conta com a interpretação de Maria João Robalo, Miguel Lança, Miguel Magalhães e Sofia Lobo. Para além dos espectáculos para o público em geral, a companhia está já igualmente a aceitar inscrições de escolas da região para sessões especiais durante a temporada de Janeiro de 2012.

Animais Nocturnos

texto Juan Mayorga tradução António Gonçalves encenação António Augusto Barros interpretação Maria João Robalo, Miguel Lança, Miguel Magalhães, Sofia Lobo

M/12 > 90' (aprox.)

Coimbra, Teatro da Cerca de São Bernardo

15 a 23 de Dezembro de 2011 | terça a sábado, 21h30 | domingo, 16h00

5 a 29 de Janeiro de 2012 |quinta a sexta, 21h30 | domingos, 16h00

"Monstros de Vidro" no Teatro Carlos Alberto

2011-11-19T19:50:00.000-08:00

"Ay, Carmela" pelo Teatro das Beiras

2011-11-19T19:44:00.000-08:00

O Teatro das Beiras apresenta o espectáculo "Ay Carmela!" em Montemor-o-Novo e Portalegre para depois voltar para apresentação de 23 a 26 de novembro na Covilhã. Com encenação de Gil Salgueiro Nave e interpretação de Fernando Landeira e Sónia Botelho.

"Ay, Carmela!" é hoje um texto teatral que ganhou foros de referência obrigatória quando se aborda a criação dramatúrgica dos finais do Séc. XX. Com edições traduzidas para inúmeros idiomas (alemão, francês, grego, inglês, sueco, turco, entre outros), este texto tem dado origem a um conjunto indistinto de criações teatrais um pouco por todo o mundo.

A 19 de novembro, às 21h30, em Montemor-o-Novo, "Ay Carmela" apresenta-se no Cine Teatro Curvo Semedo, numa organização do Projecto Ruínas. De seguida, vamos até Portalegre, para nos apresentarmos no dia 21 de novembro, no XX festival internacional de teatro de Portalegre, no Centro de artes e espectáculos de Portalegre às 21h30, organizado pelo Teatro d'O Semeador.

Na Covilhã, de 23 a 26 de novembro às 21h30 no Teatro das Beiras, o espectáculo "Ay Carmela!" encerra o mês de Novembro.

"As Mulheres de Gil Vicente" na Casa da Comédia

2011-11-19T19:34:00.000-08:00

Estará em cena, nos dias 18 e 25 de novembro e 2 de dezembro, pelas 21h45, no Teatro Casa da Comédia, em Lisboa, a peça As Mulheres de Gil Vicente, com adaptação e colagem de textos de Filipe Crawford, que também assina a encenação. Com interpretações de Ana Peres, Carla Carreiro Mendes, Catarina Matos e Sílvia Marques, o espetáculo foi especialmente pensado para o público escolar.

Teatro Nacional D. Maria II #4

2011-11-19T19:27:00.000-08:00

João Mota aceitou convite para dirigir Teatro D. Maria II

João Mota, encenador e fundador do Teatro A Comuna, aceitou nesta sexta-feira o convite feito na véspera pelo secretário de Estado da Cultura, Francisco José Viegas, para dirigir o Teatro Nacional D. Maria II (TNDMII), depois do afastamento de Diogo Infante do cargo de director artístico.

“A reunião acabou agora e ainda está tudo muito baralhado na minha cabeça”, disse ao PÚBLICO, por telefone, ao princípio da tarde. “Ainda preciso de tempo para pensar seriamente no projecto para o D. Maria. Tenho muitas ideias, mas um projecto é mais do que ideias soltas”, acrescentou.

Também quanto à programação, muito haverá ainda para definir. Porém, João Mota espera “que a programação possa manter-se até ao final de Fevereiro”. E esclarece: “As peças estão a ser feitas. Esse programa tem de se cumprir. Depois de Fevereiro logo se vê.”

Questionado sobre as razões que o levam a aceitar assumir o cargo, confessa: “Nunca pensei em dirigir o Nacional. Aceitei porque é um desafio, tal como foi um desafio fundar A Comuna no pré-25 de Abril, sem dinheiro, sem apoios e em ditadura. Não sei se vou ser capaz, com tão pouco dinheiro e um corte tão grande. O Diogo [Infante] falou nisso muitas vezes nos últimos dias. Menos 36% é muita coisa, mas vou tentar, com muita energia.” E conclui: “Tenho coragem para isso e também me dará muito prazer tentar. O país está em crise, todos temos obrigação de tentar, de fazer a nossa parte.”

“Uma decisão difícil”

O convite para substituir Diogo Infante tinha sido confirmado ao PÚBLICO ontem, quinta-feira, pelo próprio João Mota, 69 anos, que afirmou ser “uma decisão difícil”, acrescentando: “Tenho uma relação muito boa com o Diogo, de grande afectividade. (…) Além disso acho que ele foi um bom director para o D. Maria.”

A substituição do ainda director artístico do teatro, Diogo Infante, foi anunciada quarta-feira, depois de o teatro nacional ter enviado para jornais, rádios e televisões um comunicado em que anunciava a suspensão da programação para 2012, caso o secretário de Estado não encontrasse uma solução para aumentar o orçamento do teatro para o próximo ano.

Teatro Nacional D. Maria II #3

2011-11-19T19:21:00.000-08:00

Diogo Infante foi afastado após suspender programação anual

Viegas quer anunciar novo director do D. Maria II na próxima semana

O secretário de Estado da Cultura, Francisco José Viegas, conta divulgar o nome do novo director artístico do Teatro Nacional D. Maria II (TNDMII) “ao longo da próxima semana”, lê-se numa breve nota enviada à imprensa. “Competirá à administração do TNDMII em funções, em conjunto com o novo director artístico, definir e assegurar todas as questões respeitantes à programação do teatro.”

Diogo Infante, que foi nomeado em 2008 e que se encontrava em funções interinamente (o seu contrato terminou em Setembro), garantiu no referido comunicado que, com o corte orçamental previsto para 2012 – menos 36%, contando com as reduções acumuladas dos dois últimos anos, 2010 e 2011 – não teria condições para assegurar a programação do próximo ano, divulgada no Verão. Mais tarde, em resposta ao PÚBLICO, Infante mostrava-se disposto a abandonar o cargo: “Se o Governo entender que o TNDMII deve tornar-se um espaço de acolhimento, cedência e aluguer, deixará de fazer sentido um projecto artístico. Nessa circunstância, naturalmente colocarei o meu lugar à disposição.”

A resposta da secretaria de Estado da Cultura (SEC) não tardou. No comunicado que enviou ao fim da tarde de quarta-feira através do seu assessor para a comunicação, João Villalobos, Francisco José Viegas informava que a SEC não tinha intenção de reconduzir Diogo Infante a mais um mandato como director artístico e atribuía o corte orçamental superior a 20% – o valor aplicado a todo o sector empresarial do Estado e, por isso, extensível aos teatros nacionais de São Carlos e São João – ao facto de a administração do Nacional se ter recusado a reduzir custos nos anos anteriores.

Lucinda Canelas in Público

Teatro Nacional D. Maria II #2

2011-11-19T19:13:00.000-08:00

Após suspensão anunciada da programação para 2012

Secretário de Estado afasta Diogo Infante da direcção do D. Maria II

A secretaria de Estado da Cultura (SEC) afastou o director artístico do Teatro Nacional Dona Maria II (TNDM II) com efeitos "imediatos". A saída foi confirmada depois de Diogo Infante ter desafiado o Governo, com a suspensão da programação para 2012 e a ameaça da sua demissão.

Diogo Infante "não será reconduzido no seu mandato e deixará, de imediato, de desempenhar as funções de director artístico do TNDMII, cargo que ocupava em gestão corrente depois de terminado o seu mandato em 30 de Setembro", informou a SEC, em comunicado.

"Em caso algum a SEC permitirá o encerramento de qualquer teatro nacional ou a suspensão integral da programação do Teatro Nacional Dona Maria II, tal como foi sugerido pelo seu director artístico", lê-se na mesma nota, onde se sublinha a "incapacidade" assumida pelo próprio director artístico "para honrar os compromissos de programação" do TNDM II.

Perante os cortes transversais impostos pelo Orçamento de Estado de 2012, o director artístico do Teatro Nacional Dona Maria II anunciou a sua “incapacidade para honrar os compromissos de programação” que assumira e, assim, de prosseguir o trabalho que tem vindo a desenvolver.

Diogo Infante, director artístico do TNDM II, em Lisboa, tinha admitido mais cedo ao PÚBLICO que poderia deixar a administração do teatro, na sequência dos cortes anunciados pelo Governo, e depois de já ter anunciado em comunicado a suspensão de toda a programação para 2012.

"Se o Governo entender que o TNDM II deva tornar-se num espaço de acolhimento, cedência e aluguer, deixará de fazer sentido um projecto artístico. Nessa circunstância, naturalmente colocarei o meu lugar à disposição, situação para a qual já alertei directamente o sr. secretário de Estado da Cultura", disse ao PÚBLICO Diogo Infante, em respostas por email.

Maior corte deveu-se a incumprimento, diz SEC

A medida é consequência da austeridade anunciada pelo Governo. No caso do teatro, esse pacote de cortes representa um valor acumulado na ordem dos 36%, agravado pelo aumento da taxa do IVA (23%), anunciou esta quarta-feira o teatro nacional em comunicado, assinado pelo seu director artístico Diogo Infante, na véspera da audição do Secretário de Estado da Cultura, Francisco José Viegas, na comissão parlamentar de Economia e Finanças.

No comunicado, Diogo Infante refere que o corte financeiro, “muito superior ao efectuado nos restantes teatros nacionais (...), ignora três anos de gestão equilibrada e taxas de ocupação recorrentes acima dos 90%, comprometendo de forma irremediável o actual projecto artístico do TNDM II, o seu modelo de gestão e toda a programação projectada para 2012”.

Segundo Diogo Infante esclareceu ao PÚBLICO, o corte financeiro projectado para o TNDM II em 2011 é de 1.050.000 euros (20,1%), contra uma redução nos outros dois teatros nacionais na ordem dos 2,5%". Para 2012, incidirá sobre este montante uma redução de mais de 830 mil euros (20%), o que segundo o director artístico "resultará numa redução acumulada no TNDM II de 1.880.000 de euros (36%)".

A SEC contrapõe: "Quanto ao mencionado valor de 36% de redução nos custos, que o director artístico aponta como superior ao dos restantes teatros nacionais, ele resulta da falta de cumprimento das metas estabelecidas e obrigatórias de redução dos custos operacionais em 15% no ano de 2011. Essa opção de recusa, tomada pela administração do Teatro Nacional Dona Maria II e pelo seu director artístico, leva a que o TNDMII seja agora sujeito a uma redução adicional em 2012 equivalente ao corte obrigatório não efectuado durante o ano de 2011. Deste modo, o TNDMII irá ter uma redução de 36,09% das suas indemnizações compensatórias, no total acumulado relativamente a 2010."

A direcção artística e o conselho de administração do TNDM II alertaram a secretaria de Estado da Cultura para as consequências dos cortes previstos no Orçamento do Estado de 2012, “disponibilizando-se desde sempre para concertar uma solução que viabilizasse um futuro para o TNDM II, com um mínimo de dignidade, qualidade e sentido de serviço público que lhe é exigido e que está reflectido nos seus estatutos e missão”, lê-se ainda no comunicado.

Segundo Diogo Infante, o secretário de Estado da Cultura, Francisco José Viegas, não encontrou uma solução para o problema junto do Ministério das Finanças ou do primeiro-ministro, não existindo assim condições para continuar com a programação delineada durante este ano.“Perante este cenário, torna-se impossível elaborar um plano de actividades realista e viável para 2012, pelo que nos vemos obrigados a assumir publicamente a nossa incapacidade para honrar compromissos de programação com produtores, encenadores e actores, e com o próprio público”, continua o comunicado, acrescentando que espectáculos como "A Morte de Danton" de Buchner, em co-produção com os Artistas Unidos e Guimarães - Capital Europeia da Cultura e com encenação de Jorge Silva Melo, ou "Lear" de W. Shakespeare, protagonizado por Eunice Muñoz, ficam assim seriamente comprometidos.

Em 2008, Diogo Infante também abandonou as funções de director artístico do Teatro Municipal Maria Matos, dois anos depois de assumir o cargo, alegando não ter meios financeiros suficientes para prosseguir com o programa que tinha delineado para aquela sala.

Cláudia Carvalho in Público

Link: http://www.publico.pt/Cultura/teatro-nacional-dona-maria-ii-suspende-programacao-de-2012-1521200?p=2

Teatro Nacional D. Maria II #1

2011-11-19T19:04:00.000-08:00

Teatro D. Maria II suspende programação para 2012

O Teatro Nacional D. Maria II (TNDM II), em Lisboa, anunciou hoje a suspensão da programação para 2012, em resultado das medidas de austeridade do Governo, nomeadamente "o corte financeiro muito superior ao efetuado nos restantes Teatros Nacionais".

Em comunicado, o director artístico, Diogo Infante, afirma que "as medidas de austeridade anunciadas pelo Governo e os cortes previstos no recentemente aprovado Orçamento do Estado atingiram no caso do TNDM II um valor acumulado em 2012 na ordem dos 36%, agravado pelo aumento da taxa do IVA (23%)".

De acordo com Diogo Infante, houve um "corte financeiro [no TNDM II], muito superior ao efectuado nos restantes Teatros Nacionais".

"Parece-nos conter um erro de cálculo e ignora três anos de gestão equilibrada e taxas de ocupação recorrentes acima dos 90%, comprometendo de forma irremediável o actual projecto artístico do TNDM II, o seu modelo de gestão e toda a programação projetada para 2012", justificou.

Este anúncio surge na véspera de o Secretário de Estado da Cultura, Francisco José Viegas, ir à comissão parlamentar de Economia e Finanças dar explicações aos deputados sobre o Orçamento do Estado (OE) para 2012.

Diogo Infante garante que o teatro tentou "sensibilizar a tutela para as inevitáveis consequências de tais medidas", mas que "até à data o secretário de Estado da Cultura revelou-se impotente para, junto do Ministério das Finanças ou do primeiro-ministro, encontrar uma solução que corresponda a uma vontade política de manter em actividade o primeiro teatro do país".

In Diário de Notícias

Link: http://www.dn.pt/inicio/artes/interior.aspx?content_id=2127550&seccao=Teatro

"Amadeus" no Teatro Nacional D. Maria II

2011-08-31T14:00:00.000-07:00

"AMADEUS"

8 set a 6 nov 2011

SALA GARRETT

4.ª a Sáb. 21h | Dom. 16h

FICHA ARTÍSTICA

de Peter Shaffer

tradução Maria João da Rocha Afonso

encenação Tim Carroll

cenografia F. Ribeiro

figurinos StoryTailors

desenho de luz Daniel Worm D´Assumpção

consultor musical James Oxley

cravista Shaun Ward

interpretação Carla Chambel, Diogo Infante, Ivo Canelas, João Lagarto, José

Neves, Luís Lucas, Manuel Coelho, Martinho Silva e Rogério Vieira.

figuração especial Bernardo Chatillon, Isabel Costa, Joana Cotrim, João

Pedro Mamede, Luís Geraldo e Maria Jorge (da Escola Superior de Teatro e

Cinema)

produção TNDM II

M/ 12

“A origem de Amadeus esteve num desejo antigo de celebrar Mozart, mas a peça não é, na verdade, apenas sobre Mozart. É também sobre Salieri. É sobre a natureza do sentido de injustiça de um homem”, afirmou Peter Shaffer, em 1992.

Em Amadeus, teatro, música e ficção histórica cruzam-se e são muitos os caminhos abertos pelo ímpeto de vingança de um homem, Antonio Salieri (Diogo Infante), compositor da corte austríaca no século XVIII, em relação a Wolfgang Amadeus Mozart (Ivo Canelas), prova viva de que “a música é a arte de Deus”.

A partir da rivalidade que Pushkin criou entre os dois compositores na sua obra Mozart e Sallieri (1831) e que inspirou a versão teatral de Peter Shaffer, Tim Carroll encena o conflito entre a mediocridade virtuosa e o génio fútil.

"O Prisioneiro da Segunda Avenida" em Campolide

2011-08-31T13:57:00.000-07:00

"O Prisioneiro da Segunda Avenida"

Ou: “Os prisioneiros da crise”. Não, não estamos a falar de Portugal, 2011. Estamos a falar dos EUA, década de 70 do século passado. É verdade, já havia crise! E que crise!

Mel e Edna vivem em Nova Iorque, na Segunda Avenida, num prédio para onde se mudaram em pleno boom imobiliário (onde é que já ouvimos isto?), num apartamento equipado com todo o tipo de conforto e inutilíssimos gadgets. Subitamente encontram-se “prisioneiros” de uma vida sufocante, com um encargo acima das suas posses, vizinhos barulhentos, ar condicionado que se mantém teimosamente a uma temperatura polar, um autoclismo que funciona à pancada e um stress que está a dar-lhes cabo da saúde.

Mas tudo isto é o paraíso ao pé do que os espera quando a crise, a verdadeira, avança, e com ela a violência, o desemprego, o trabalho precário (onde é que já ouvimos isto?), e o seu mundo até aí de pequenos desconfortos se transforma num caos completamente fora de controlo.

Como lidar com a crise e sobreviver? A receita de Neil Simon passa por esta genial comédia “acre-doce”, divertida e sarcástica, igualzinha à realidade que, hoje e aqui, é mais oportuna do que nunca.

Chorar para quê, se se pode rir com “O Prisioneiro da Segunda Avenida”!

No Sport Lisboa e Campolide, de 5ª a domingo, às 21h30, a partir de 25 de Agosto até 4 de Setembro.

Sport Lisboa e Campolide 25, 26, 27 e 28 de Agosto e 1, 2, 3 e 4 de Setembro de 2011

21h30 | 28 de Agosto e 4 de Setembro 17h · Auditório do Sport Lisboa e Campolide

Texto Original: Neil Simon

Encenação e Cenografia: Frederico Corado

Com: Paulo César, Cátia Garcia e Carlos Martins

E a participação especial de Hugo Rendas, Lauro António e Maria Eduarda Colares

Tradução: Maria Eduarda Colares

Direcção Técnica e Desenho de Luz: Ricardo Campos

Cabelos: Carlos Feio

Contra-Regra: Victor Tavares

Construção: Mestre Manuel Victória

Uma Produção Entrar Em Palco

Estreia 25 de Agosto 2011

Sport Lisboa e Campolide

Rua Victor Bastos, 31 A Campolide | 1070-283 Lisboa

entradas 5€

informações e reservas: 93 962 9012

Teatro Serve-se Cru em Campolide

2011-06-21T16:14:00.000-07:00

"A Carne Submersa"

Estreou ontem (dia 21) no espaço do Sport Lisboa e Campolide, agora (e em boa hora) aberto ao teatro, o espectáculo "A Carne Submersa" pelo Teatro do Azeite numa encenação de Miguel Raposo. Um espectáculo cru e espantoso, cheio de teatro e de letras, com oito actores em palco a fazerem a sua pequena revolução e a estrearem no próprio dia em que o novo governo toma posse em Portugal gritando em cena que acabou a esperança...

Para eles podemos dizer que o caminho brilhantemente iniciado com os seus anteriores espectáculos se solidifica neste novo irreverente projecto para maiores de dezoito anos.

O Sport Lisboa e Campolide está também de parabéns pela abertura deste espaço ao teatro porque em alturas em que se fecha o Ministério da Cultura todos nós somos responsáveis pelo avanço cultural do país e um Clube como este abraçar um projecto teatral deste género vem demonstrar uma maturidade que é de ser seguida por outros Clubes, Associações e Colectividades espalhadas por todo Portugal.

Guia dos Teatros

estará em cena de 21 a 27 de Junho ás 21h30

no Sport Lisboa e Campolide

Rua Victor Bastos, 31 A Campolide

1070-283 Lisboa

http://www.jfcampolide.com/instituicoes.php?cat_id=5&id=35

entradas 5€

informações e reservas:

916 742 133

964 151 591

M18

Porquê dar espaço a uma viagem que se determina falhada de início? Porque vão oito jovens criadores sangrar a batalha do profundo e do significativo? Porque esperar dói mais? Porque não há outra alternativa face à quietude que paira nos lares, nos espaços caseiros que, habitados, não gemem vida alguma? Projectam-se também outros textos - memórias, mais próximos às bocas dos criadores, dando lugar ao porvir da criação autobiográfica-ficcionada-não me interessa. E assim dançamos cansados, derrotados apenas pelo tempo, desesperados, porque só o desespero nos traz fogo. Para que possamos continuar. A falhar. A falhar nesta revolução. Que é o amor.

Miguel Raposo

" O filme -- inspirado, baseado ou pretextado num texto meu -- é uma obra maléfica."
Herberto Helder

encenação Miguel Raposo
vídeo Tiago Costa
interpretação Carlos Malvarez, Eduardo Frazão, Filipa Marcos, Hugo F. Matos, Maria Leite, Miguel Raposo, Pedro Oliveira e Sílvia Almeida
produção Teatro do Azeite

"Casamento Em Jogo" no Trindade

2011-06-08T08:39:00.000-07:00

Marcha de Campolide em documentário

2011-06-08T08:31:00.001-07:00

A Marcha de Campolide é o tema de um documentário do realizador Frederico Corado.

As produtoras Entrar Em Palco e Magazin Produções, estão neste momento a produzir um documentário sobre a Marcha de Campolide, acompanhando as últimas semanas de ensaios que antecedem o desfile na Avenida.

O realizador Frederico Corado, autor deste documentário, tem estado a viver o ambiente em que decorrem as várias fases da Marcha, desde a construção dos arcos e figurinos à música e coreografia, e a acompanhar a azáfama dos participantes na Marcha – habitantes do Bairro de Campolide, ensaiador, construtores, figurinista, costureiras, músicos, etc.

Frederico Corado leva-nos numa viagem através da vida e do trabalho que estão por detrás de uma marcha de Lisboa, um esforço inimaginável que o público não vê na Avenida da Liberdade no dia 12 de Junho, escondido sob as cores dos arcos e dos trajos e nos sorrisos de quem marcha Avenida fora. As histórias, as paixões, a história, as raizes, o coração e a razão, o amor à camisola, o aquecer das almas, o enrouquecer das vozes, tudo isto faz parte de “A Nossa Marcha é Linda!”.

Frederico Corado acompanhará a Marcha de Campolide e os seus marchantes até ao fim dos ensaios, à apresentação no Pavilhão Atlântico, à marcha pela Avenida, à emoção da espera dos resultados e às saidas nos dias seguintes. Tudo isto fará parte da Marcha e da vida dos seus participantes e ficará para sempre registada neste filme.

“A Nossa Marcha É Linda!” conta com o apoio do Sport Lisboa e Campolide e ainda o apoio institucional da EPAL Museu da Água e está agora na fase de rodagem, seguindo-se a montagem e sonorização, prevendo-se a finalização em inícios de Novembro, altura em que começará o circuito dos festivais.

Para mais informações www.anossamarchaelinda.blogspot.com

Suspensão

2011-05-05T06:49:00.000-07:00

Temos recebido dezenas de mensagens de leitores que habitualmente frequentam este espaço e que estranham a ausência de movimentação do Guia dos Teatros.

Apenas umas palavras para justificar o porquê desta paragem provisória... Estamos neste momento a reestruturar o Guia dos Teatros e a angariar fundos para poder tornar este trabalho mais regular e global de maneira a poder chegar a mais pessoas não só através desta edição em blog, mas também através de um site e de uma edição impressa.

Tencionamos que este período de reestruturação seja rápido.

Até lá estamos no facebook.

Até já

Trailer" "Black Swan"

2011-02-02T07:51:00.000-08:00

Distinção póstuma a Seara Cardoso releva “dimensão e qualidade” do teatro de marionetas

2011-02-02T07:29:00.001-08:00

João Paulo Seara Cardoso fundou o Teatro de Marionetas do Porto em 1988 e o cenário que enquadra esta modalidade artística não voltou a ser o mesmo. A Associação Portuguesa de Críticos de Teatro (APCT) é desta opinião e, três meses após a morte do portuense, distingue-o com o Prémio da Crítica de 2010. O Festival Internacional de Marionetas de Lisboa (FIMFA), que conta já uma década, também é galardoado.

O prémio é dividido. O FIMFA merece por “dez anos de trabalho perseverante e continuado na apresentação, em Portugal, do que de mais interessante e importante existe no Teatro de Marionetas, Objectos e Formas Animadas”, informa a APCT, em comunicado.

A escolha é da responsabilidade de Alexandra Moreira da Silva, João Carneiro, Maria Helena Serôdio e Rui Pina Coelho, os quatro membros do júri que consideram que sem João Paulo Seara Cardoso, desaparecido a 29 de Outubro, na sequência de complicações motivadas por um cancro pulmonar, “o Teatro de Marionetas em Portugal não existiria na sua forma, dimensão e qualidade actuais”.

Na cerimónia de entrega destes prémios, que decorre na tarde de 12 de Março, no Jardim de Inverno do Teatro São Luiz, em Lisboa, a APCT vai ainda atribuir três menções honrosas: a Miguel Guilherme, “pelo brilho e excelência singular na composição” para O Senhor Puntila e o seu criado Matti; a Luís Castro, da companhia Karnart, “pela inspirada e brilhante teatralização do universo de Raúl Brandão”, em Húmus; e a Carla Miranda, Maria do Céu Ribeiro e Miguel Eloy, por “três interpretações justíssimas da partitura” de Howard Barker, em Mulheres Profundas/ Animais Superficiais, na qual “aliam rigor e instinto num trabalho de invulgar qualidade”.

Hugo Torres in "Público"

Temporada 2011 da Companhia Nacional de Bailado

2011-02-02T07:25:00.001-08:00

"Sombras" de Ricardo Pais no Teatro Nacional São João

2011-02-02T07:25:00.000-08:00

Sombras de Ricardo Pais é e não é teatro. Tem o seu coração no Fado e inclui composições originais de Mário Laginha, mas a lógica dramatúrgica não advém exclusivamente da música. Sombras assenta num apurado guião de textos onde Frei Luís de Sousa (1843) e Castro (1587) detêm um valor matricial, e que é atravessado pelos nossos fantasmas lendários, o gosto das pequenas histórias, a melancolia das variedades, a vigor do fandango, o prazer cénico de experimentar os opostos – e a força percussiva da mais alta literatura dramática. Após a assombrosa recepção em Novembro passado, e antecedendo a apresentação no Théâtre de la Ville (Paris), Sombras reaparece no seu palco originário. Três oportunidades para avaliar da materialidade destes assombramentos e incandescências da nossa natureza teimosa e paradoxal. A nossa alma é uma coisa concreta.

uma criação Ricardo Pais vídeo Fabio Iaquone, Luca Attilii música original e direcção musical Mário Laginha coreografia Paulo Ribeiro cenografia Nuno Lacerda Lopes figurinos Bernardo Monteiro desenho de luz Rui Simão desenho de som Francisco Leal voz e elocução João Henriques consultor musical (fados) Diogo Clemente encenação Ricardo Pais assistência de encenação Manuel Tur interpretação José Manuel Barreto, Raquel Tavares (fadistas); Emília Silvestre, Pedro Almendra, Pedro Frias (actores); Carla Ribeiro, Francisco Rousseau, Mário Franco (bailarinos); Mário Laginha, Carlos Piçarra Alves, Mário Franco, Miguel Amaral, Paulo Faria de Carvalho (músicos); Albano Jerónimo, António Durães, João Reis e Teresa Madruga (participação especial em vídeo) produção TNSJ em co-produção com Centro Cultural Vila Flor, Teatro Viriato, São Luiz Teatro Municipal colaboração OPART duração aproximada 1:45 classificação etária M/12 anos

De 17 a 19 de Fevereiro no Teatro Nacional São João

"Brilharetes" Artistas Unidos estreiam no Centro Cultural do Cartaxo

2011-02-02T07:23:00.001-08:00

BRILHARETES de Antonio Tarantino

Tradução Tereza Bento Com João de Brito e Tiago Nogueira Cenário e Figurinos Rita Lopes Alves Luz Pedro Domingos Fotografias Jorge Gonçalves Assistência Joana Barros Apoio à produção João Meireles Um espectáculo de João de Brito e Tiago Nogueira com a colaboração de Jorge Silva Melo Co-produção Artistas Unidos/ LAMA/ Molloy Associação Cultural M16

Estreia no Centro Cultural do Cartaxo a 25 de Março

6ª 25 e Sáb 26 às 21h30

Ensaios abertos:

Faro (CAPA), 6ª 11 e Sáb 12 de Fevereiro

Loulé (Casa da Cultura), 6ª 18 e Sáb 19 de Fevereiro

Setúbal (Teatro Estúdio FonteNova) 5ª 24 e 6ª 25 de Fevereiro

Montemor-o-Novo (Cine -Teatro Curvo Semedo), Sáb 26 de Fevereiro

Tavira (Teatro Al Masrah / Espaço da Corredoura), 6ª 4 e Sáb 5 de Março

Sintra (Teatro Reflexo), 6ª 11 e Sáb 12 de Março

Alcobaça (Armazém das Artes), 6ª 18 e Sáb 19 de Março

Programação Teatro no Inverno

2011-02-02T07:21:00.000-08:00

A Escola da Noite acolhe Teatro Meridional em residência artística no TCSB

2011-02-02T07:18:00.000-08:00

O Teatro Meridional estará em residência artística em Coimbra, no Teatro da Cerca de São Bernardo, entre 7 e 13 de Fevereiro. O programa inclui dois dos mais recentes espectáculos - “Contos em Viagem: Cabo Verde” e “1974” - , um recital de poesia, um workshop, uma exposição, um documentário e várias oportunidades de conversa com o público.

Recentemente distinguido com o Prémio Europa Novas Realidades Teatrais (entre vários outros prémios que recebeu ao longo dos anos) e com a mesma idade d'A Escola da Noite, o Teatro Meridional é uma das mais importantes companhias de teatro portuguesas. O seu original e consistente percurso artístico distingue-se no panorama nacional e internacional pela importância atribuída ao trabalho do actor e por três linhas essenciais de reportório: a encomenda de textos originais, a adaptação de textos não teatrais (com predominância para a literatura lusófona) e o cruzamento em palco de várias linguagens artísticas, criando espectáculos em que a palavra “não é a principal forma de comunicação cénica”.

Os espectáculos escolhidos para esta residência artística em Coimbra são dois belíssimos exemplares deste percurso: “Contos em Viagem” reúne textos (prosa e poesia) de mais de uma dezena de autores cabo-verdianos; “1974” é uma interpelação poética aos espectadores sobre o país em que vivem, a partir de três períodos essenciais do passado recente – a Ditadura, o 25 de Abril e o pós-revolução e a entrada de Portugal na Comunidade Europeia. Em termos cénicos, o espectáculo adopta “um ponto de vista sensorial”, destacando-se, perante a quase ausência de palavras, o rigoroso trabalho (corporal, coral) dos actores, a banda sonora original de José Mário Branco e o trabalho plástico (cenário e figurinos) de Marta Carreiras.

Ainda no âmbito da residência, a actriz e encenadora Natália Luíza (co-directora da Companhia) apresentará o recital “Portugal dos Poetas”, o director artístico Miguel Seabra dirigirá um workshop para jovens actores e estudantes do ensino artístico e serão exibidos um documentário e uma exposição fotográfica sobre a preparação do espectáculo “1974”.

Como é objectivo deste modelo de residências (desde 2009, o TCSB já acolheu assim o Teatro O Bando, Vera Mantero e Joana Providência), o público terá assim oportunidade de contactar com uma mostra alargada do trabalho e do percurso criativo da companhia, podendo inclusivamente aproveitar para trocar impressões e debater com os artistas em várias ocasiões – conferência de Miguel Seabra, conversas após os espectáculos, entre outras.

À excepção dos espectáculos “Contos em Viagem” e “1974” (para os quais é possível adquir bilhete conjunto em condições especiais) e do workshop (cujo número máximo de inscrições foi rapidamente atingido), todas as restantes iniciativas têm entrada livre.

Aceite o convite destes dois grupos e faça-nos companhia

"Despedida de Solteiro" pela Utopia Teatro

2011-02-02T07:11:00.000-08:00

Quatro homens.

Um quarto de motel.

Uma stripper.

Um fim de noite surpreendente...

Eles são quatro motoristas de transportes públicos. Dois são irmãos: o mais novo, ainda a recuperar de um “estranho colapso nervoso”, vai casar-se para a semana; o mais velho decidiu organizar uma despedida de solteiro para concretizar a sua mais delirante fantasia sexual. Cada um convida o seu melhor amigo. Todos colegas de profissão. Um deles conhece a moça certa; o outro, o espaço certo. Quatro homens num quarto escuro à espera. E ainda o recepcionista da obscura pensão, intermediário voyeur entre o serviço e os clientes. Mas um deles esconde ainda um último segredo para a ocasião. Só falta chegar a “cereja no topo do bolo”: o que acontecerá quando aparecer "Lou Lou"?

Quando?

3 a 26 de Fevereiro

Quinta a Sábado, 21h30

Onde?

Casa de Teatro de Sintra

(Rua Veiga da Cunha, nº 20)

Bilheteira

Normal: 10€

Menores de 25 anos, maiores de 65 anos e Cartão Amigos Chão de Oliva: 7,5€

Grupos (5 ou mais pessoas): 5€

RESERVAS: ligue 96 624 79 34 ou escreva para geral@utopiateatro.com

Classificação etária:

Maiores de 18 anos (aguarda confirmação)

ADVERTÊNCIA: este espectáculo contém linguagem explícita e cenas passíveis de chocar alguns espectadores

Ficha Técnica e Artística

Texto e encenação: Nuno Vicente

Cenografia e Guarda-Roupa: Joana Mendão (com André Sobral)

Montagem: Nuno Teixeira

Fotografia: Francisco Gomes, Paulo Martins

Interpretação: André Sobral, FIiipe Araújo, João Mais, Paulo Campos dos Reis, Paulo Martins, Ricardo Soares e... "Lou Lou"

Produção: Rui Braz

Agradecimentos: Flávio Tomé

Media Partners: Jornal de Sintra, Jornal da Região, Correio de Sintra, Cidade Viva, Actual Sintra

Apoio: Câmara Municipal de Sintra, Café-Bar 2 ao Quadrado, Chão de Oliva - Centro de Difusão Cultural em Sintra

F. Murray Abraham em Theater Talk

2011-02-02T07:10:00.000-08:00

"Auto da Barca do Inferno" no Theatro Circo

2011-02-02T07:06:00.000-08:00

"Auto da Barca do Inferno" de Gil Vicente

7 a 9 de Fevereiro – 11h/15h

10 de Fevereiro – 15h/21h30

Sala Principal do Theatro Circo

Indo de encontro aos desejos do público, nomeadamente das escolas, a CTB – Companhia de Teatro de Braga repõe Auto da Barca do Inferno, de Gil Vicente, na Sala Principal do Theatro Circo, em Fevereiro. A peça, com duas sessões diárias, será apresentada dias 7, 8 e 9, às 11h e às 15h; e no dia 10, às 15h e às 21h30. Com as restantes sessões especialmente dirigidas ao público escolar mediante marcação, a sessão nocturna do dia 10 é aberta ao público em geral.

Partindo do texto original e preservando o português da época, o espectáculo sobre a nossa memória identitária, numa encenação de Rui Madeira, explora num tom realista e contemporâneo os sentidos mais profundos de Gil Vicente.

Sinopse:

Será que a maledicência, o orgulho, a usura, a concupiscência, a venalidade, a petulância, o fundamentalismo, a inveja, a mesquinhez, o falso moralismo cristão… têm entrada directa no Paraíso? Ou terão de passar pelo Purgatório? Ou vão directamente ao Inferno? E a pé, de pulo ou voo?

Aliás, onde fica e como designamos o Lugar onde estamos? E que paraíso buscamos?

Uma revisão da CTB, em demanda da modernidade sobre o texto Vicentino e o prazer do jogo teatral.

Rui Madeira

Ficha Artística:

autor: Gil Vicente

encenador: Rui Madeira

actores: Alexandre Sá, André Laires, Carlos Feio, Jaime Soares, Lina Nóbrega, Rogério Boane, Solange Sá

figurinos: Sílvia Alves

desenho de luz: Fred Rompante

espaço cénico: Rui Madeira

desenho de som: Pedro Pinto

Fotografia: Manuel Correia, Paulo Nogueira

Grafismo: Carlos Sampaio

Dramaturgia Viva no TNDMII

2011-02-02T07:05:00.001-08:00

Noite de Reis

2011-02-02T07:02:00.000-08:00

Laginha na reabertura do Cine-Teatro Louletano

2011-02-02T07:00:00.000-08:00

“Mongrel” é o nome do espectáculo que Mário Laginha Trio apresenta, hoje, pelas 21h30, no Cine-Teatro Louletano, no dia em que esta casa de espectáculos abre as portas após obras de remodelação.

Ao piano, Mário Laginha, faz-se acompanhar por Bernardo Moreira, no contrabaixo, e Alexandre Frazão, na bateria, num trabalho concebido para assinalar o bicentenário do nascimento de Frédéric Chopin (1810-49).

«Durante o espaço de tempo em que escolhi as peças de Chopin que queria incluir neste disco, fui relembrando que a profusão de melodias e a riqueza harmónica são uma constante em toda a sua música. No Scherzo, na Balada, na Fantasia e até nos Nocturnos, só utilizei parte dessas melodias (por vezes uma só). Tomei muitas liberdades. Mudei compassos, tempos, modifiquei algumas harmonias - até mesmo melodias - criei espaço para a improvisação, enfim, nunca me abstive de alterar aquilo que me pareceu necessário para aproximar a música de Chopin do meu universo musical. Tinha que o fazer. Ironicamente, embirro solenemente com versões de temas clássicos em que lhes acrescentam um ritmo de jazz ou pop. Nunca o faria. Quis deixar reconhecível a fonte musical, mas fiz os possíveis por não ter uma deferência tal que me inibisse de transformar o que quer que fosse.

Este disco é uma espécie de heresia a transbordar respeito pelo compositor. E parece-me quase um dever homenagear um dos maiores improvisadores de todos os tempos com uma música que tem na sua matriz a improvisação.

Uma última nota sobre o nome do CD. A música que aqui está não é exactamente a que Chopin escreveu, está contaminada por outras. Nesse sentido é uma música mestiça. Como para o imaginário português a palavra mestiço remete muito para África, fui à procura de outra, noutra língua, que tendo o mesmo significado, não sugerisse uma relação (que neste caso não existe) com esse universo. Encontrei. É "Mongrel"» (Mário Laginha).

Sobre Mário Laginha

A sua carreira tem sido construída ao lado de outros músicos, de uma forma constante e intensa. E com raras excepções: o primeiro disco a solo, “Canções e Fugas”, é editado em 2006.

Para Mário Laginha, fazer música é sobretudo um acto de partilha. E tem-no feito com personalidades musicais fortes.

O duo privilegiado com a cantora Maria João resulta num dos casos mais consistentes e originais da actual música portuguesa. A parceria de Mário Laginha com Maria João resultou numa dezena de discos e na participação em alguns dos mais importantes festivais de Jazz do mundo: Festival de Jazz de Montreux, Festival do Mar do Norte, Festival de Jazz de San Sebastian, Festival de Jazz de Montreal...

Com Bernardo Sassetti é partilhado o mesmo instrumento: uma formação pouco frequente na área do jazz, que ganha com o facto de ambos construírem um universo único, à volta das suas próprias composições. Com muito em comum, e também com acentuadas diferenças, conseguem um equilíbrio invulgar. Juntaram-se pela primeira vez em 1998 e gravaram desde então dois álbuns.

Pedro Burmester (com quem também tem um disco gravado) tem sido a sua principal ponte com a música clássica, desde finais dos anos 80. Laginha leva a sua bagagem musical para um repertório do século XX, oferecendo-lhe um forte sentido rítmico.

Criou o Trio de Mário Laginha com o contrabaixista Bernardo Moreira e o baterista Alexandre Frazão. Esta é talvez a formação que mais próxima está do jazz, ainda que não com um estilo convencional, donde resultou muito recentemente um disco gravado em estúdio, “Espaço”.

A sua carreira leva mais de 20 anos: foi um dos fundadores, em 1984, do Sexteto de Jazz de Lisboa e criou o Decateto de Mário Laginha (1987). A sua personalidade musical era já muito evidente no disco “Hoje” (1994) – o primeiro que assinou com o seu nome.

Ademar Dias in "Algarve Notícias"

João Lagarto e Vítor Norte em Alcochete apresentam recital no Forum Cultural

2011-02-02T06:56:00.000-08:00

Os actores João Lagarto e Vítor Norte são os protagonistas do recital que vai acontecer no Fórum Cultural no próximo sábado, 5 de Fevereiro, às 21h30, um evento integrado na programação da CultRede, numa parceria com o Município de Alcochete.

Este espectáculo humorístico, que envolve poesia e teatro, transforma-se num recital de ritmo avassalador, que rompe com o silêncio numa viagem de sessenta minutos por textos de autores consagrados.

Imagine-se a mudar constantemente de posto de rádio, apanhando fragmentos dos programas mais diversos e não estará muito longe deste espectáculo que se vai realizar em Alcochete.

Com interpretação dos dois famosos artistas, este recital produzido por António Gonçalves Pereira é dirigido a maiores de 12 anos com ingressos a €7,50 e desconto de 20% para menores de 18 anos.

Com uma vasta experiência no mundo do teatro e cinema, João Lagarto nasceu em Lisboa em 1954 e estreou-se no teatro de revista após a conclusão do Curso de Formação de Actores no Conservatório Nacional, em 1974.

No seu currículo consta a participação em numerosos grupos de teatro, desde o Centro Dramático de Évora, Os Bonecreiros, Os Saltitões, o Teatro Maizum, A Comuna, o Teatro da Malaposta ao Teatro Nacional D. Maria II.

A sua entrada no cinema teve início em 1978 com o filme Histórias Selvagens de António Campos, depois foi dirigido por vários realizadores portugueses conceituados em mais de 30 películas, das quais destaca No Dia dos Meus Anos de João Botelho (1992) e Adeus Pai de Luís Filipe Rocha. Tem também uma extensa carreira na televisão como apresentador de programas e actor de séries e novelas como A Banqueira do Povo (1993), Polícias (1996), Os Lobos (1998), Esquadra de Polícia (1999), A Febre do Ouro Negro (1999), O Processo dos Távoras, Alves dos Reis um Criado ao seu dispor (2001), Baía das Mulheres (2004), O Regresso da Sizalinda (2006), Resistirei (2007), Damas e Valetes e Um lugar para viver (2009).

Vítor Norte instalou-se em Lisboa aos 17 anos, onde teve aulas de ballet e frequentou oficinas de mímica e pantomima na Fundação Calouste Gulbenkian. Estreou-se como actor na Casa da Comédia.

Da sua carreira no teatro, salienta a participação em peças como Ay Carmela no Teatro Ibérico, Volpone de Ben Johnson no Teatro Aberto, Às Seis o Mais Tardar de M. Perrier no Instituto Franco Português, entre outras.

Estreou-se na televisão em Vila Faia (1982), a que seguirá a participação em numerosas séries e mini-séries, entre as quais Rua Sésamo (1990), Cluedo (1995), Alentejo Sem Lei (1990), Os Melhores Anos (1990), O Bairro da Fonte (SIC, 2000) ou Capitão Roby (SIC, 2000); telefilmes - Mustang de Leonel Vieira e Monsanto de Ruy Guerra; novelas (2007 - Ilha dos Amores, 2005 - Ninguém como Tu, 2003 - Queridas Feras, 2001 - Ganância, 1995 - Desencontros, 1994 - Na Paz dos Anjos).

No cinema tem uma presença regular com destaque para a sua participação em A Vida é Bela, Cinco Dias, Cinco Noites, A Mulher do Próximo, Os Cornos de Cronos, No dia dos Meus Anos, Sapatos Pretos, Ao Sul, A Mulher Polícia, entre muitos outros.

Para mais informações e aquisição de bilhetes para o recital contactar o Fórum Cultural de Alcochete através do 212 349 640 ou do endereço electrónico forum.cultural@cm-alcochete.pt.

"Estamos sempre a lamentar-nos em vez de trabalharmos com o que temos"

2011-02-02T06:39:00.000-08:00

No Teatro Nacional de São Carlos, o maestro britânico Martin André tem aprendido a gerir por antecipação escassos recursos financeiros. Pretende captar novos públicos e fazer alternar o grande repertório operático com produções mais leves no Salão Nobre, incluindo criações portuguesas do passado e do presente. E já comprou um cravo.

O maestro britânico Martin André mudou-se para Lisboa e assumiu as funções de director artístico do Teatro Nacional de São Carlos há seis meses e ainda está a "arrumar a casa", pois sem essa base é difícil servir o público e os artistas. A organização interna do teatro, tornando a comunicação e a gestão das tarefas mais ágil e permitindo-lhe estar permanentemente a par do que se passa, foi a sua prioridade inicial. Gostava que o trabalho decorresse "como numa colmeia", em direcção a um "objectivo comum", ainda que o caminho tenha de ser feito "milímetro a milímetro", tendo em conta a escassez de recursos financeiros.

Como sucessor do alemão Christoph Dammann, cujo contrato foi rescindido pelo Ministério da Cultura em Abril do ano passado, Martin André teve de concluir a presente temporada em tempo recorde e numa conjuntura difícil a partir de planificações herdadas e dos elementos novos possíveis de agendar rapidamente. Está agora a planificar a próxima, mas o facto de não contar com um orçamento a dois ou três anos, como sucede na generalidade dos teatros europeus, dificulta muito a tarefa: há que planear "a lápis e não a caneta", pois tudo pode mudar. Mas prefere não assumir uma postura negativa, que considera típica dos portugueses e também dos seus compatriotas britânicos: "Estamos sempre a lamentar-nos em vez de trabalharmos com o que temos."

A ópera tem sido uma das linhas de força da carreira - foi maestro residente da Welsh National Opera e trabalhou na Royal Opera House, na English National Opera e na Opera Nothern Ireland, entre outras - mas é a primeira vez que assume a direcção artística de um teatro. Não esquece, porém, a sua condição de músico, pelo que optou de imediato por mudar o seu gabinete (antes num corredor afastado) para o centro do edifício do São Carlos, ficando num ponto nevrálgico no que diz respeito quer à circulação de artistas residentes e convidados, quer às várias secções de produção e administração. Foi nesse novo espaço funcional, desprovido do aparato dos gabinetes dos anteriores directores artísticos, que recebeu o P2 na semana passada, ainda antes da demissão de Jorge Salavisa, presidente do Opart - Organismo de Produção Artística, entidade que gere o Teatro Nacional de São Carlos e a Companhia Nacional de Bailado.

Tem dirigido muita ópera ao longo da sua carreira, mas é a primeira ver que é director artístico de um teatro. Quais têm sido os maiores desafios do novo cargo?

Encontrei um teatro cheio de pessoas com muita experiência, qualidades humanas e energia, mas sem uma coordenação definida. Por isso, a primeira coisa que fiz foi comprar esta mesa! [aponta para uma grande mesa oval]. Comecei a organizar reuniões com todos os chefes de gabinete (da orquestra, do coro, da secção técnica, da produção, dos artistas convidados, da pesquisa e documentação, dos estudos musicais) e percebi que nunca se tinham sentado todos à mesma mesa. As coisas funcionam melhor através do contacto pessoal. Não faz sentido estar a comunicar por e-mail dentro do próprio teatro, quando temos pessoas com quem podemos falar. O correio electrónico impõe uma certa distância, torna mais fácil dizer que não. Só com diálogo e organização podemos caminhar na mesma direcção. Esta é a minha filosofia.

Pretende tornar mais ágil o trabalho de equipa...

Quero que todos percebam quais são as linhas de ligação, porque antes trabalhava-se intensamente, mas ninguém trabalhava ao mesmo ritmo. Fiz este documento [mostra um organograma] com todos os departamentos. A direcção artística tem dois braços, que são a orquestra e o coro, e os restantes gabinetes estão noutro plano, mas tudo forma uma pirâmide e todas as secções remetem para mim. É como uma colmeia, a organização do trabalho é muito clara e percebe-se facilmente quem depende de quem. Sou muito organizado na minha vida, por isso dou a mesma organização ao teatro. Também não havia um mapa global, semana a semana, com todas as salas de ensaio e todas as actividades. Aqui [mostra o mapa] temos toda a informação do teatro numa única peça de papel. Algo muito lógico, mas que não existia. Queremos sempre correr, mas as coisas fazem-se lentamente. É como um comboio, o arranque é um pouco pesado, mas se as carruagens forem todas no mesmo sentido ele avança.Além da organização, quais são as suas outras prioridades?

O público. Somos uma instituição pública - sem público o nosso trabalho não tem sentido. Pretendo recuperar o público que se foi perdendo nos últimos anos. Estou contente porque a assistência aos concertos do Salão Nobre tem crescido bastante e o próximo espectáculo, com as óperas Gianni Schicchi, de Puccini, e Blue Monday, de Gershwin, está a vender bem. O nosso corpo precisa de comer, beber, dormir, senão ficamos cansados e enfraquecidos. Com um teatro é a mesma coisa, é preciso fazer espectáculos com regularidade e qualidade senão enfraquece. A publicidade com mais poder não são os cartazes e os anúncios, é a publicidade de boca a boca. Se as pessoas passam a palavra depois torna-se uma bola de neve.

Tem projectos concretos para captar novos públicos?

Vamos passo a passo, ou melhor, milímetro a milímetro. Preciso de ver como corre este ano, mas era importante adicionar um gabinete de educação. É preciso abrir as portas, mas não é suficiente as escolas virem aqui assistir a ensaios. Temos uma orquestra com mais de 90 pessoas e um coro com 60. Pequenos grupos de cantores e instrumentistas poderiam também deslocar-se às escolas para haver um contacto mais directo, mais físico. É muito importante, pois os jovens são o público do futuro.

Esta é uma temporada de transição, mas suponho que já está a trabalhar na próxima...

Sim, mas antes da próxima temporada preciso de um orçamento do vosso Governo. Sem isso, não posso fazer nada.

Ainda não sabe qual é o orçamento para o próximo ano?

Para o próximo ano? Para este ano. Estamos em Janeiro, a próxima temporada corresponde a 2011-2012 [começa em Setembro].

Perante isso, como realiza o seu trabalho? Os artistas internacionais têm agendas programadas a dois, três anos, às vezes mais...

Exacto. Tenho uns 20 ou 30 e-mails para responder, a perguntar se é possível confirmar este concerto, este cantor ou aquele maestro... E tenho de responder, "desculpe", "lamento", "pode dar-me mais uma semana?".

O que é que o Ministério da Cultura diz?

Eu não estou contra o Ministério da Cultura, temos boas relações. Sei que não estou sozinho. A situação não é fácil, os problemas financeiros existem em todas as áreas: escolas, hospitais, transportes... Daí que estou a tentar antecipar, prever as hipóteses de programação o mais possível, para depois quando tivermos luz verde ser mais rápido. Algo como carregar num botão. Mas não quero assumir uma postura negativa. Temos a base: um belo teatro, o palco, a orquestra, o coro. E tenho bons contactos com colegas músicos a nível internacional. Há duas possibilidades. A mais simples é dizer: é impossível fazer alguma coisa, vou-me embora, obrigado e adeus. A outra é: temos só um pequeno orçamento, o que podemos fazer com mais ou menos nada ou perto de nada? Para a próxima temporada já tenho organizada uma ópera de Mozart, outra de Puccini e outra de Verdi. Já o tinha dito, mas temos de trabalhar um dia de cada vez, organizar as coisas, mas a lápis, não com caneta.Mozart, Puccini e Verdi são grandes pilares do repertório. E em relação a áreas como a ópera portuguesa ou a ópera contemporânea, qual vai ser a sua estratégia?

Depende de muitas coisas, mas convém não esquecer que esta temporada tem três óperas portuguesas. É muito. O normal será uma por temporada. Em 2012 comemoram-se os 250 anos do nascimento de Marcos Portugal e eu pretendo fazer uma das suas obras, mas ainda estou a estudar a questão. Este projecto e outros poderão ser feitos fora do grande palco. No actual panorama financeiro, não faz sentido investir numa grande encenação só para fazer cinco vezes. Poderá ser uma produção mais simples no Salão Nobre, fica mais barato e se é mais barato significa que podemos fazer mais. Tenho também um projecto de encomendas a cinco jovens compositores portugueses, para escreverem pequenas óperas de dez minutos sobre um tema a designar. A ideia surgiu numa conversa com o compositor João Madureira. Ter grandes óperas como as de Verdi ou Puccini no palco da sala principal e produções mais leves nos Salão Nobre parece-me um bom equilíbrio.

Qual vai ser a sua filosofia em relação aos cantores nacionais e internacionais?

Somos um teatro internacional. É necessário ter um equilíbrio entre vozes internacionais e cantores portugueses, mais jovens e menos jovens. Aliás, para os jovens é bom partilhar o palco com cantores mais experientes.

Vem de uma tradição, como é o caso do Reino Unido, que contempla vários estúdios de ópera que funcionam a alto nível. O que pretende fazer em relação ao Estúdio de Ópera do São Carlos?

Não sei ainda. É algo que vai ter de ser discutido, precisamos de ter um projecto, mas ainda não é claro qual. Em Inglaterra, normalmente os estúdios de ópera são estruturas separadas e há financiamento através de mecenato privado. Na Holanda, Inglaterra e França, o balanço entre os mecenas privados e o Estado é mais ou menos 50 por cento, mas aqui em Portugal é o Estado que paga 90 por cento. Com os cortes nos dinheiros públicos, ficamos numa situação muito difícil. São precisos mais apoios. Estou em funções apenas há seis meses, em relação ao estúdio de ópera precisamos de repensar as possibilidades, tem de ser algo bom para o teatro e para os cantores. Quando um país tem apenas um teatro de ópera, a expectativa é muito grande, mas não é possível fazer tudo.

Que planos tem a nível de co-produções internacionais?

Tenho muitos contactos, as possibilidades são muitas, mas voltamos sempre à mesma situação. Se não temos dinheiro, não posso assinar contratos. Muitas vezes vou a teatros de ópera no estrangeiro e perguntam-me: "Quando queres fazer uma co-produção?" Eu respondo 2012 e eles dizem que não é possível, só em 2014. Mas a data de 2014 não existe na minha cabeça, para isso teria de ter um orçamento para três anos, que é o normal lá fora. Tornaria tudo muito mais simples. Por exemplo, está em aberto a participação numa produção incrível com mais três grandes teatros, que já está organizada. Nós pagaríamos apenas 15 por cento, mas seria preciso pagar já e não tenho essa possibilidade.Programar a três anos diminuiria muito os custos...

Claro, mas tem de dizer isso ao vosso Governo. É algo semelhante ao que se passou com o cravo. Quando cheguei reparei que precisávamos de um cravo para os concertos de Bach e Haydn e para algumas óperas. Uma semana de aluguer custa mais ou menos 900 euros. Um cravo custa 15.000 euros, ora, esse valor corresponde a menos do que 20 semanas de aluguer. Com o dinheiro que íamos gastar em dois anos, pagamos o instrumento. Mas conseguir esta coisa tão simples demorou imenso tempo e teve imensos entraves burocráticos. Finalmente comprei o cravo, é muito bom e é do teatro para sempre.

E a sua carreira internacional como maestro, consegue conciliá-la com a direcção artística do teatro?

Neste momento está em suspenso. Às vezes vou para Londres ou Amesterdão dirigir um ou outro concerto, mas muito pouco. Procuro dedicar-me o máximo possível ao São Carlos.

in "Público" entrevista por Cristina Fernandes

"Sítio do Picapau Amarelo" no Teatro Politeama

2010-12-07T06:38:00.000-08:00

Dona Benta é uma velha senhora que vive no Sítio do Picapau Amarelo, afastada da correria e do barulho da cidade. Com ela vivem Tia Nastácia, que cozinha para todos, e a sua neta, Lúcia, mais conhecida como Narizinho. Vivendo sozinha e tendo apenas as duas mulheres idosas como companhia, a menina cria um mundo de fantasias, no qual a personagem principal é a sua boneca Emília, feita por Tia Nastácia com restos de pano. Também vive no sítio o velho Tio Barnabé, responsável pela manutenção da quinta.

Um dia Narizinho conhece o Príncipe Escamado, soberano do Reino das Águas Claras que, por coincidência, fica localizado no ribeirão da quinta. O Príncipe fica encantado com a menina e convida-a para conhecer seu reino. Aí Narizinho conhece o Doutor Caramujo, um célebre cientista que dá a Emília a pílula falante. Depois de ingerir o mágico remédio, Emília começa a falar e não se cala nunca mais.

Depois de ingerir o mágico remédio, Emília começa a falar e não se cala nunca mais.

Durante o período de férias escolares, Narizinho tem como companhia seu primo Pedrinho, que estuda na cidade onde vive com a sua mãe. O Menino também tem um amigo criado por tia Nastácia, o Visconde de Sabugosa, feito a partir duma espiga de milho velha, que também ganha vida. Por ter sido esquecido durante um bom tempo no meio dos livros, o Visconde adquiriu uma admirável sabedoria, tornando-se intelectual e cientista.

No Sítio do Picapau Amarelo tudo é possível. A Fantasia mistura-se com a realidade e passa a fazer parte do quotidiano da menina Narizinho e do seu primo Pedrinho. E é com personagens adultas que as crianças compartilham as suas aventuras num mundo fantástico onde vivem a boneca Emília, o Visconde de Sabugosa, o Saci Pererê, a Cuca, personagens inventadas por Narizinho no seu mundo de sonho que se torna realidade no Sítio do Picapau Amarelo.

Tennessee Williams regressa ao palco do Teatro Nacional

2010-09-05T11:51:00.000-07:00

“Um Eléctrico Chamado Desejo” é uma obra-prima da dramaturgia do século XX que estabeleceu Tennessee Williams como um dos maiores autores americanos. Aqui, retrata-se o confronto entre os valores tradicionais do Sul da América e o materialismo agressivo da América moderna.

Blanche DuBois, uma frágil e solitária beldade sulista, decide visitar a sua irmã, Stella, que vive num bairro pobre de Nova Orleães. Numa altura em que a sua vida se encontra em declínio, Blanche acaba por se confrontar com o marido de Stella, Stanley Kowalski, cujo temperamento rude tanto ofende como atrai a sua educada sensibilidade. Enquanto o jazz dos anos 40 enche os bares locais durante a noite, as tensões crescem até atingirem um ponto de ruptura inevitável.

as palavras do encenador...

Em 1998, a convite do Dr. Mega Ferreira, encenei, no âmbito do Festival dos 100 dias da Expo 98, a peça “O Jardim Zoológico de Cristal”. O espectáculo estreou precisamente no Teatro Nacional D. Maria II, na sala Estúdio, e tinha no papel de Amanda Wingfield a extraordinária Carmen Dolores. Foi assim que mergulhei no universo de Tennessee Williams e me familiarizei com a sua vida e obra. Ao longo dos ensaios deste “Eléctrico” e enquanto desbravávamos terreno, várias foram as vezes que me lembrei desse outro processo. A tendência lírica de Williams está bem patente nas histórias que conta e nos códigos que utiliza. O optimismo de Amanda Wingfield e a sua capacidade para entreter os seus “Gentlemen Callers” está igualmente expressa na personagem de Blanche e nas leis da natureza que dizem que uma senhora deve divertir um cavalheiro ou então nada feito! Mas contrariamente a Blanche que não diz a verdade mas o que deveria ser a verdade, Williams é cru na percepção que tem do mundo que o rodeia e das personagens que o habitam. Não é na malícia mas na incapacidade de comunicar e entender os outros que reside a semente do conflito e consequentemente

da acção... os cegos guiam os cegos...!

Não sei porquê, mas em retrospectiva constato que me sinto invariavelmente atraído por peças que foram adaptadas ao cinema. As narrativas e as personagens tridimensionais devem ter algo que ver com isso. De qualquer forma, neste caso obrigo-me a não rever a versão cinematográfica. Guardo apenas imagens que a minha memória se encarregou de seleccionar. Suponho que as comparações sejam inevitáveis, mas recomendo que se concentrem no trabalho deste notável conjunto de actores, determinante no espectáculo que agora partilhamos convosco.

Não posso deixar de celebrar o regresso da Alexandra Lencastre aos nossos palcos. Enquanto colega e admirador, há muito que aguardava por este momento.

Flores para los vivos...!

Diogo Infante

[9 Set – 31 Out]
SALA GARRETT
4.ª a Sáb. 21h30 Dom. 16h
Ficha Artística
de TENNESSEE WILLIAMS
encenação DIOGO INFANTE
tradução HELENA BRIGA NOGUEIRA
cenografia CATARINA AMARO
figurinos MARIA GONZAGA
desenho de luz NUNO MEIRA
sonoplastia RUI DÂMASO
psicologia da performance PEDRO ALMEIDA
assistente de encenação ISABEL ROSA
com ALBANO JERÓNIMO, ALEXANDRA LENCASTRE, ANDRÉ PATRÍCIO,
ESTÊVÃO ANTUNES, JOSÉ NEVES, LÚCIA MONIZ, MARQUES D´AREDE, PAULA MORA,
PEDRO LAGINHA e SOFIA CORREIA
produção TNDM II
M/12

uma paródia inconsequente de Jorge Silva Melo no Porto

2010-09-05T11:45:00.000-07:00

"FALA DA CRIADA DOS NOAILLES QUE NO FIM DE CONTAS VAMOS DESCOBRIR CHAMAR-SE TAMBÉM SÉVERINE NUMA NOITE DO INVERNO DE 1975, EM HYÈRES" - uma paródia inconsequente de Jorge Silva Melo

Com Elsa Galvão, Vânia Rodrigues, Pedro Lamas, Pedro Mendes, António Simão, Jessica Anne, João Delgado, Miguel Aguiar, Ricardo Batista, Susana Oliveira, Tiago Correia, Ruben Correia e os alunos do 2.º ano do Curso de Teatro da ESMAE Adriana Carvalho, Ana Lúcia Magalhães, Ana João Regueiras, Diana Barnabé, Elsa Pinho, Inês Espinhaço, Inês Simões Pereira, Isabel Quaresma, Helena Carneiro, Joana Amaral, Sílvia Barbosa, Silvana Brochado, Simão Ramos, Tiago Moreira, Vítor Silva Cenografia e Figurinos Rita Lopes Alves Luz Pedro Domingos Assistente de encenação Pedro Lamas Encenação Jorge Silva Melo Co-produção Artistas Unidos/ Fundação Culturgest/ Festival de Almada M16

No TECA (Porto) de 16 a 19 de Setembro

5ª a Sáb às 21h30 | Dom às 16h00

Uma paródia inconsequente de Jorge Silva Melo.

Uma eterna criada evoca as ricas horas dos mecenas, os bailes loucos, a arte livre, o amor livre, o financiamento de L`Age D´Or de Luis Buñuel, tudo na altura em que se anuncia a vinda do realizador espanhol ao palacete de Hyères onde ainda vive o Conde de Noailles, mecenas que foi de tanta gente e tanto dos surrealistas: estamos a meio dos anos 70 ( do século XX) e os anos loucos já se foram, com as jóias da família. Muito livremente inspirado em O Meu Último Suspiro de Buñuel – e nas botinas de Diário de Uma Criada de Quarto de Buñuel, é claro. E Séverine era a Belle de Jour do romance de Joseph Kessel de que Buñuel e Oliveira se apropriaram, maliciosos.

Diz que é espanhol.

Espero que não seja aquele pequenito e entroncado

que me apalpava o rabo sempre que eu o ia servir

e que vinha cá com uma mulher diferente sempre

mesmo que fosse hoje e no dia seguinte e depois de

amanhã

era sempre uma mulher diferente grande rabo

grande peito mais altas que ele sempre

que ele era pequenito e entroncado quase careca

ou rapava o cabelo

era pintor.

É um monólogo delicioso da criada dos famosíssimos Noailles, que tantos artistas mecenaram, tantos projectos apoiaram e tantas festas temáticas deram (vimos imagens das festas surrealistas e ficámos com alguma inveja).

Uma mulher que viu passar, gostou e odiou, e até se envolveu, tantas figuras da modernidade do século XX.

Ali fala delas de uma maneira cómica e caricatural. Descomprometida e despretensiosa.

São sempre “aquele que faz umas coisas…” que ela não percebe bem mas que acaba por

gostar.

Elsa Galvão fá-lo muito bem.

Uma delícia a não perder.

Luís Royal, Choosearoyal.blogspot.com

Os Noailles

Charles de Noailles nasceu em 1891. A sua mulher Marie-Laure de Noailles (cuja família ainda descendia do Marquês de Sade) nasceu em 1902. Casaram em 1923. Antes do casamento já eram amigos de Jean Cocteau e, em 1923, Charles de Noailles encomendou um retrato da mulher a Picasso. Nesse mesmo ano, contrataram o arquitecto Robert Mallet-Stevens para lhes construir uma casa de Verão nas colinas por cima da cidade de Hyères. As obras demoraram 3 anos e acabaram por incluir um jardim cubista desenhado por Gabriel Guevrekian. Apesar dos rumores de que Charles de Noailles preferia sexualmente homens, o casal teve duas filhas. Entre 1920 e 1930, os Noailles foram importantes mecenas da arte moderna, especialmente do surrealismo. Apoiaram projectos de Man Ray, Salvador Dalí, Luis Buñuel e encomendaram obras a Balthus, Giacometti, Brancusi, Miró e Dora Maar. Financiaram os filmes Les Mystères du Château de Dé de Man Ray, Aubade de Poulenc, L’Age d’Or de Buñuel e Le Sang d´un Poète de Cocteau. Em 1940, a propriedade dos Noailles foi ocupada pelo Exército Italiano e transformada em hospital. A casa continuou a ser a residência de Verão de Marie-Laure até 1970. Charles de Noailles morreu em 1981. A casa é agora um centro de artes.

L’Age d’Or é um filme realizado por Luis Buñuel em 1930, escrito por este em colaboração com Salvador Dalí. Custou 1 milhão de francos e foi Charles de Noailles que encomendou o filme em 1928 para o aniversário da mulher. Quando estreou, no Studio 28 em Paris, recebeu uma chuva de protestos. Para comseguir a autorização da censura, Buñuel teve que o apresentar como sendo o sonho de uma senhora. A 3 de Dezembro de 1930, um grupo de membros da Liga de Patritotas atirou tinta para o écran, atacou o público e destruiu obras de Dalí, Miró, Man Ray, Yves Tanguy, entre outros que estavam a ser exibidas no foyer. A 10 de Dezembro, o Perfeito da Polícia de Paris conseguiu proibir as projecções do filme. Um jornal espanhol condenou o filme por ser ‘a maior corrupção repulsiva da nossa era... o novo veneno que o Judaísmo, a Maçonaria, o fanático sectarismo revolucionário queriam para corromper o povo’. A família Noailles retirou o filme de circulação durante quase 50 anos.

"Hedda" no São Luiz teatro Municipal pelos Artistas Unidos

2010-09-05T11:40:00.001-07:00

HEDDA de José Maria Vieira Mendes a partir de Hedda Gabler de Henrik Ibsen

Com Maria João Luís, Lia Gama, António Pedro Cerdeira, Marco Delgado, Cândido Ferreira e Rita Brütt Pianista Inês Mesquita Cenografia e Figurinos Rita Lopes Alves Luz Pedro Domingos Pintura do Cenário Guilherme Lopes Alves Construção do cenário João Prazeres e Luís Carvalho Assistência de Figurinos Isabel Boavida Assistência de Encenação João Miguel Rodrigues Encenação Jorge Silva Melo Co-produção Artistas Unidos/ São Luiz Teatro Municipal M16

No São Luiz Teatro Municipal de 16 de Setembro a 17 de Outubro

4ªf a Sáb às 21h00 | Dom às 17h30

REESCREVER HEDDA

A proposta que me é feita enquanto dramaturgo deste projecto é a de uma reescrita da Hedda Gabler. Não uma reescrita que pretenda uma actualização (coisa que aliás não sei muito bem o que seja…), mas que se ofereça como leitura minha, hoje, do texto do Ibsen. Não se pretende pois tornar o texto de Ibsen legível para uma sociedade contemporânea, recorrendo a uma transposição de temáticas e linguagem e estilos para os tempos de hoje, mas sim distanciar-nos de leituras mais casualistas que procuram uma navegação sociológica pelos tempos de hoje e aproximar-nos daquilo que consideramos ser intelectualmente mais honesto, ou seja, perseguir as ideias que atravessam os tempos, que sempre podem existir.

Escrever como leitor é pois provavelmente o objectivo principal a atingir. Como se a figura do leitor fosse a única figura a acompanhar fielmente a passagem do tempo sobre a obra de Ibsen. Como leio hoje o Ibsen e esta peça em particular e o que é que eu, enquanto dramaturgo português com dilemas de escrita situados num tempo e biografia particulares, leio nesta peça? E já agora, o que é isso de escrever como leitura?

O teatro de hoje, ultrapassado um século XX de importantes movimentos de escrita e encenação, tem uma vida bem diferente daquela que acompanhou Ibsen. E por isso um dos primeiros impactos, para mim enquanto leitor que escreve, é o desfazamento de um naturalismo ibseniano difícil de suportar ou transportar. Provavelmente por tiques e vontades pessoais que me têm afastado do género, mas por outro também por ser uma espécie de obstáculo insrito no texto de Ibsen, que quanto a mim impede uma tentativa de actualização. Não funciona (ou não satisfaz), do meu ponto de vista, a escolha de um computador ou pen para substituir o manuscrito queimado. Não me parece interessante a substituição de uma criada a anunciar entradas por uma campainha… E se, apesar de tudo, se consegue trabalhar com estas marcas, disfarçando-as, secundarizando-as, já muitos dos conteúdos, carimbados por uma época com direitos e garantias diferentes dos de hoje, dificilmente se tornam maleáveis. Não chega o transporte de um feminismo de final de século para um movimento idêntico de princípio de um outro século. É difícil suportar a relação do casal recém-casado num espectáculo que se queira “actual”. Etc, etc.

Curiosamente, desaparecendo a preocupação de actualização ou transporte para o tempo e sociedade contemporâneos, consegue-se desmpoeirar a leitura e rapidamente a escrita se concentra nas personagens enquanto espécie animal com preocupações atemporais. O que interessa nesta Hedda? O que interessa no casal? O que interessa no terceiro elemento, esta espécie de soldado regressado da guerra? E o que pode interessar na Thea Elvsted? É aqui que se concentra o trabalho de escrita. E não tanto procurando psicologias, traumas de passado, questões edipianas, mas sobretudo focando-nos em ideologias, problemas intelectuais, pensamentos sobre a vida, sobre a escrita e sobre a morte.

Passamos pois pelos mesmos patamares em que Ibsen se apoiou, aproveitando os dois revólveres, o valioso e prometedor manuscrito, o casal recém-casado, o provável concorrente, o velho juiz com interesses malsãos, e uma jovem que abandona o marido por um amor. Mantemos também a velha tia Juliana, agora apenas em duas aparições mais longas, com um discurso de sábia confusa ou sibilina, pintalgado com piadas, inversões e trocas. Reforçamos o isolamento montanhoso de Eilert Lovborg, acentuamos uma diferença de idade relevante entre Hedda e Thea e acentuamos um ponto de vista para a narração, como se nesta nossa Hedda Gabler tudo viesse da cabeça da protagonista. Uma mulher, numa sala onde entram e saem as pessoas da sua vida, a rejeitar esta realidade e a caminhar pausadamente e decididamente para o suicídio.

E assim insistimos nesta nossa Hedda Gabler num texto que discute as utopias, que pensa as ideologias e que vai atrás dos fundamentalismos. Olhar para Hedda Gabler como uma mulher à procura de um fundamento, de arma em punho, pronta a defender ou seguir uma ideia até ao fim, querendo levar com ela todos os que a rodeiam e saindo vencedora derrotada, numa morte paradoxal que funciona como uma coroa de folhas de videira na cabeça de quem perde. Uma mulher determinada a viver uma impossibilidade ou, roubando as palavras do filósofo alemão contemporâneo Marcus Steinweg, determinada a viver um “sonho com valor de verdade”. E uma mulher que arrasta todos os que vivem em seu redor, questionando-os, desequilibrando-os, pondo-os em causa, como aliás a arte é e deve ser capaz de fazer. Lê-se deste modo a Hedda Gabler também como um dilema artístico. Como se a discussão girasse em redor de uma vontade de arte que contém o seu suicídio. Uma vontade que quer ser mais do que pensamento e que exige uma passagem ao acto que se vê concretizada em dois revólveres.

Esta é, quanto a nós, a “actualização” possível, ou seja, não uma aproximação a um tempo ou geografia, mas uma aproximação a um pensamento, o pensamento de um dramaturgo que também é o pensamento de um teatro ou da arte hoje (e sempre?). O pensamento que se faz no gesto de leitura e que, concretizado em escrita, projecta as dificuldades de um leitor, as omissões, as escolhas e as interpretações.

José Maria Vieira Mendes

Setembro no Teatro da Cerca de São Bernardo

2010-09-05T11:29:00.000-07:00

música

13 de Setembro | segunda | 21h30

Mancha em terras de cor

A Barca dos Castiços

Sediado em Souselas, “A Barca dos Castiços” foi criado em 2003. Utiliza o património da música tradicional portuguesa como base para a experimentação e para a fusão de vários géneros musicais. O grupo apresenta neste concerto o seu primeiro trabalho discográfico, “Mancha em terras de cor”, que inclui elementos tradicionais, mesclados com elementos da música erudita, do jazz, e também do pop-rock, correntes que fazem parte dos universos pessoais de cada um dos elementos. O resultado é uma matriz de trabalho própria, que cria uma ambiência característica e reflecte uma nova forma de experimentar a tradição.

voz, bandolim e flauta doce Patrícia Ferreira violino, guitarra, cavaquinho, tin twistle, gaita de foles, voz Daniel Crespo piano, cavaquinho/guitarrinho de Coimbra, guitarra David Lopes baixo e voz Fernando Santos guitarra, bateria/percussão e voz João Crespo concertina e percussão Sérgio Forte

entrada livre, mediante ingresso a levantar na bilheteira do TCSB

teatro
14 e 15 de Setembro | terça e quarta | 21h30

“Noites Brancas” de Fiódor Dostoiévski

Chão Concreto

Um homem vagueia, sozinho, por S. Petersburgo – a cidade em peso, essa, vagueia pelos verões do campo. Uma mulher espera, sozinha, apoiada no parapeito do canal. Um oportunista, cambaleante e pouco respeitável, ensaia uma abordagem agreste e atrevida à menina do chapéu amarelo. O primeiro, o nosso sonhador, salta de rompante para o outro lado da rua – qual herói improvisado! – e afugenta a ameaça. Os ânimos acalmam. A donzela respira fundo. As mãos apertam-se. É então que ele se apercebe: uma mulher. Conheceu finalmente uma mulher! Depois disso vão encontrar-se ali mais quatro noites. Ela porque espera. Ele porque alimenta a sua espera. O amor há-de chegar de manhã. Quando a noite branca acabar. Quando a realidade tornar tudo estranho outra vez. “Noites Brancas” é um dos maiores romances da literatura mundial. Uma incursão atípica e genial de Fiódor Dostoiévski pela estética do Romantismo.

texto Fiódor Dostoiévski tradução Filipe Guerra e Nina Guerra dramaturgia e encenação Rodrigo Santos interpretação Ivo Bastos e Nuno Preto desenho de luz Pedro Vieira de Carvalho cenografia Ricardo Preto figurinos Catarina Marques sonoplastia Rodrigo Santos

M/12 > 60’ > 6 a 10€

teatro
17 e 18 de Setembro | sexta e sábado | 21h30

“Mulher Mim”

Magnólia Teatro

Esta é a história de uma mulher que é, como quase todas as mulheres, muitas mulheres. “Mulher Mim” é uma peça que retrata a mulher de todos os tempos. Mulheres que trabalham, mulheres que são mães, mulheres que são imperfeitas, mulheres que são mulheres. Uma mulher que viaja a uma velocidade vertiginosa, que se perde na esquina de cada memória, para se voltar a encontrar numa acção, num gesto, num movimento, num cantar secular que a faz recordar quem é.

direcção artística Rafaela Santos encenação, movimento e espaço cénico Rafaela Santos e Leonor Keil interpretação Rafaela Santos dramaturgia Fernando Giestas figurino Rafaela Mapril desenho de luz Jorge Ribeiro desenho de som Tiago Cerqueira dramaturgia Fernando Giestas produção Rodrigo Francisco, Magnólia Teatro / Amarelo Silvestre co-produção Teatro Viriato (Viseu) / Centro Cultural Vila Flor (Guimarães)

M/12 > 60’ > 6 a 10€

teatro
23, 24 e 25 de Setembro | quinta, sexta e sábado | 21h30

“Auto da Barca do Inferno” de Gil Vicente

Teatro dos Estudantes da Universidade de Coimbra

Não pretendo actualizar, nem tão pouco fazer uma reconstituição histórica de um Portugal quinhentista, mas gostaria de burilar as suas palavras, de encontrar com as actrizes, seis por sinal, a sua fisicalidade, o seu jogo, e de construir uma trupe que joga entre o fazer vicentino e a memória desse fazer neste grupo de teatro universitário, re-inventando um novo caminho artístico. Queremos, e agora uso o plural, fazer um espectáculo íntimo, um espectáculo que nasce da proximidade física, onde a comunicação seja feita olhos nos olhos, tal como foram os espectáculos apresentados por Gil Vicente na Corte, em pequenos espaços, e deste modo, rir deste Mundo às avessas, rir dos outros, rir do passado para inscrevermo-nos no Futuro. Entramos na Barca, resta saber para onde nos leva...

Ricardo Correia

texto Gil Vicente versão José Camões encenação Ricardo Correia elenco Íris Ferrer, Maria Pinela, Mariana Ferreira, Nádia Iracema, Rafaela Bidarra, Susana Rocha espaço cénico Carolina Santos, Ricardo Correia cenografia Bruno Gonçalves, Eduardo Conceição figurinos Carolina Santos desenho de luz Jonathan de Azevedo sonoplastia João Gil, Sérgio Costa produção executiva TEUC/2010

M/12 > 55’ > 6 a 10€

performance

29 de Setembro | quarta | 21h30

os sons it(n)rantes

Tiago Schwäbl

Ooooooooooooooooooooooooooooooo.

os sons. um som um som um som os sons.

sons que deambulam entre le t ras. sons-palavra e palavras-som.

o que é um som? e uma palavra? uma palavra é um som? um som é palavra? como soa uma palavra? como se forma? chegamos à palavra através do som ou partimos dela até ao som?

Rinnzekete bee bee nnz krrmüü?

sons itinerantes, deslizantes, mutantes, sons que nascem sem palavra, palavras que nascem sem som. palavras que não mudam, mudas, mudam.

Quero um significado.

Kwii Ee.

traço raço aço ço o. silêncio.

voz, flauta, performance Tiago Schwäbl voz Ana Paula Dantas, Manuel Portela música electrónica Igor Silva vídeo Laetitia Morais

organização Mestrado em Poesia e Poética, Faculdade de Letras da Universidade de Coimbra

M/12 > 60’ > entrada livre

"Is You Me" na Culturgest

2010-09-03T11:12:00.000-07:00

Na terça e quarta-feira, 14 e 15 de Setembro, às 21h30, no Grande Auditório da Culturgest, será apresentada a coreografia Is You Me, em colaboração com o Festival Materiais Diversos / Teatro Virgínia, Torres Novas e o Centro Cultural Vila Flor, Guimarães.

Estreado em 2008, Is You Me é o resultado de uma colaboração entre Benoît Lachambre, coreógrafo e performer de que o público da Culturgest se recordará em Forgeries, love and other matters (de e com Meg Stuart), cuja interpretação lhe valeu um Bessie Award em 2006, Louise Lecavalier, ex-estrela da companhia La La La Human Steps e considerada por muitos um dos ícones da dança contemporânea, o artista visual Laurent Goldring e o músico, compositor e produtor musical nova-iorquino Hahn Rowe, que o público da Culturgest igualmente conhece de Forgeries, love and other matters.

Num palco branco dinamicamente pincelado de linhas, cores e formas pelas projecções vídeo de Laurent Goldring, dois performers excepcionais constroem uma autêntica festa visual. Como diz Laurent Goldring, “O Benoît e a Louise tornaram-se gradualmente numa espécie de desenhos, mas desenhos animados, e começaram a brincar com a sua terceira dimensão, divertindo-se a livrarem-se dela e a recuperá-la, a passar de um estado de volume a um de plano e vice-versa.”

Os bilhetes têm o preço de 18 Euros; jovens até aos 30 anos têm um preço único de 5 Euros.

Is You Me será também apresentado no dia 11 de Setembro no Teatro Virgínia e no dia 17 no Centro Cultural Vila-Flor.

“No final dos 75 minutos deste inventivo dueto (...) o público estava de pé aos gritos, e a cena da dança parecia estranhamente nova. (...) O movimento muda de lugar por contágio, transmitido de um bailarino ao outro por contacto, ou de um corpo vivo para uma representação gráfica, já que os desenhos de Laurent Goldring – digitalmente projectados na área de representação – respondiam às formas que eram executadas em palco. (...) ‘Is You Me’ traz elegância ao fugaz, ao virtuoso e ao estranho.” MJ Thompson, Dance Magazine, Julho 2008

Laurent Goldring fala assim do processo de criação deste espectáculo:

“Is You Me é o resultado de vários encontros. O encontro entre o Benoît (Lachambre) e a Louise (Lecavalier), claro, mas também a história que eu tenho vindo a tecer entre as imagens e a dança, uma história em que me cruzei muitas vezes com o Benoît.

Desta vez o Benoît propôs-me que continuasse com ele uma experiência começada com a Mathilde Monnier: com um único projector criar simultaneamente o espaço teatral, o palco, as luzes e o cenário.

A experiência com a Mathilde tinha-me ensinado que isso implicava trabalhar desde o início numa óptica de co-criação, coisa que o Benoît compreendeu de imediato.

A dança não teria podido ser concebida separadamente do espaço desenhado, da mesma forma que as projecções não teriam podido ser concebidas como um simples enquadramento neutro e acolhedor.

(...) Quanto às projecções, a intenção de partida foi também inflectida para a utilização progressivamente maior do desenho. O desenho, em vez de se tornar numa imagem final imóvel, pôs-se ele próprio em movimento, pôs-se a narrar a sua própria construção, a mostrar a forma como um traço engendra outro, como a gestualidade do desenho se assemelha ou distingue da gestualidade da dança: fui pondo a tónica cada vez mais na temporalidade do traço do que na imobilidade da forma.

(...) Outro gesto simples, mas que mudou radicalmente os dados, foi a abertura do ecrã e a possibilidade de ter os corpos literalmente dentro do ecrã, na fissura entre o ecrã do fundo e o palco inclinado (que é também ecrã), fissura que foi sendo usada cada vez mais durante o processo de criação de Is You Me.

Esta re-materialização, este voltar a ser gesto da imaterialidade informática, é também verdade em relação ao trabalho do Hahn Rowe, que me ajudou a compreender o que se estava a passar. A nossa dupla presença nas margens do palco, que se impôs por si própria, conduziu naturalmente a um desenho-música que se ia fazendo ao mesmo tempo que a dança. O Hahn propôs narrativas e ritmos que se encontram quase tal qual no desenho. (...)

A sinergia foi igualmente forte com a figurinista (Lim) Seononc, que reagiu prontamente a este devir-desenho dos bailarinos e ao devir-dança do desenho, com os seus figurinos que sublinham simultaneamente a fisicalidade e o grafismo das presenças. Para mim um dos momentos mais importantes é quando as silhuetas amarelas e verdes que construímos podem passar completamente sem o desenho porque se tornaram desenho elas próprias…”

"Black Swan"

2010-09-03T11:11:00.001-07:00

Mestrado em Teatro da ESAD

2010-09-03T10:46:00.000-07:00

Teatro Aberto em Setembro

2010-09-03T10:41:00.000-07:00

"Sexo, Sim Obrigada" de Dario Fo em Oeiras

2010-09-03T10:19:00.000-07:00

ESTREIA
SEXO? SIM OBRIGADA
DE DARIO FO,
dia 09 Setembro 2010 no T.I.O.

O T.I.O. – Teatro Independente de Oeiras vai estrear a sua nova produção: Sexo? Sim Obrigada, no dia 9 de Setembro de 2010 às 21h30 no Auditório Novo Espaço – T.I.O. em St. Amaro de Oeiras (em frente à praia).

A peça, da autoria de Dario Fo, prémio Nóbel da Literatura em 1997, consiste numa conversa descontraída, divertida e natural sobre as mais variadas questões relacionadas com o sexo.

O elenco é constituído por duas actrizes, Patrícia Adão Marques e Rita Frazão e a encenação está a cargo de Carlos d’Almeida Ribeiro.

O espectáculo estará em cena de 5ª a Sábado às 21h30, no Auditório Novo Espaço do T.I.O. até 27 de Novembro.

O preço dos bilhetes é de 8 euros (normal) e 7 euros (menores de 25 e maiores de 65 anos) e a classificação etária é para maiores de 16 anos.

As reservas são feitas através do 213020003, Ticket Line 707234234 e locais habituais.

Sinopse:

Duas actrizes, uma voz, milhares de

dúvidas sobre um tema tão controverso

quanto natural. Um ambiente relativa-

mente misterioso e minimalista

alberga uma conversa descontraída

sobre a sexualidade, os medos,

as inseguranças, as dúvidas, as especulações, o desconhecido. Um espectáculo útil e interessante para qualquer idade, cultura ou religião, onde duas actrizes se desdobram em várias personagens, com a ajuda de pouco mais que o seu corpo, a sua voz e… um andaime… para trazer à ribalta assuntos polémicos, mas que fazem parte da vida de qualquer ser humano… os medos e as falsas certezas sobre a virgindade, a menstruação, o orgasmo, a frigidez, a impotência e tantos outros assuntos.

O sexo é natural e indispensável ao ser humano. O amor também. Poderão existir um sem o outro?...

Ficha Técnica:

EntreMitos em Oeiras #3

2010-09-03T10:01:00.001-07:00

EntreMitos em Oeiras #2

2010-09-03T09:57:00.000-07:00

Lurdes Norberto, um Mito entreMitos em "Olhos nos Olhos"

2010-09-03T09:51:00.001-07:00

Em pânico mas satisfeita -- é como Lourdes Norberto se sente face à estreia no seu primeiro papel quase de improviso, a peça 'Olhos nos Olhos', a apresentar no festival entreMITOS, que começa sexta feira em Oeiras.

Em declarações à agência Lusa, a actriz, uma das mais conceituadas com 70 anos de carreira no teatro, cinema e televisão, diz estar 'absolutamente em pânico, mas contente' com o desafio que lhe foi lançado pelo director do entreMITOS, António Terra, para se estrear num espectáculo sem texto de autor que resulta antes da imaginação e da criatividade da própria e da encenadora brasileira Simone Bencke.

Para este espectáculo, encenado pela responsável do espaço Camarim, de Rio Grande do Sul (Brasil), a actriz portuguesa leva 'três ou quatro fases da sua vida, entre as quais memórias da infância, do percurso como actriz, sempre num registo bem-disposto e sem dramas'.

O espectáculo, a realizar nos dias 10 e 11 (22:30) no Espaço Expressão - um dos três palcos do entreMITOS, a decorrer entre sexta feira e dia 11 na Fundição de Oeiras -- é o primeiro em que a actriz se 'expõe publicamente' e para o qual parte sem 'quaisquer expectativas'.

'Nunca na vida fiz nada assim, estou absolutamente em pânico', disse a actriz à Lusa, acrescentando que embora tenha aceitado o convite de António Terra e de que se arrependeu depois vezes, decidiu realizá-lo 'porque é necessário levar as coisas para cima'.

'Um trabalho em que conto experiências e vivências e imagino coisas' e que apesar de 'não ter nada especial, pode ser giro, mas também pode não ser, tudo depende do público', considera sobre o desempenho neste trabalho, um de duas bolsas de criação do entreMITOS.

Para a actriz -- que a Câmara de Oeiras já homenageou com a Medalha de Ouro e a quem atribuiu o nome a um auditório em Linda-a-Velha -- a participação na iniciativa é também uma forma de a homenagearem embora a deixe feliz não deixa de a perturbar.

À semelhança do que lhe aconteceu sempre em todo os papéis que representou ao longo da carreira, na qual está sempre em 'dúvida permanente' por ser muito 'rigorosa, ter muita noção do ridículo e gostar das coisas muito bem feitas' -- argumenta.

A estreia de Lourdes Norberto no entreMITOS, uma plataforma que se realiza este ano pela primeira vez e que irá decorrer bianualmente entre o MITOS (Mostra Internacional de Teatro de Oeiras), resulta de um convite do director artístico do Festival, António Terra.

A criação do MITO Social, uma plataforma 'de criação artística, técnica e cultural de inovação e desenvolvimento que aposta na arte como alimento de cultura' e define como 'uma arma contra a exclusão social', é a novidade desta primeira edição do certame, disse à Lusa o director da iniciativa.

Oito peças, das quais sete estreias, completam a programação, da qual o director destaca 'Pequenos Burgueses', uma adaptação da peça homónima do dramaturgo russo Máximo Gorki que o grupo brasileiro 'Nós do Morro' - do Morro do Vidigal, bairro problemático do Rio de Janeiro, conhecido por ter participado em filmes como 'Cidade de Deus' e 'Estômago' e dirigido pelo jornalista, actor e director artístico Guti Fraga -- estreia no dia 09 (20:00) no Espaço Aproximação.

in DN

Ana Bustorff regressa ao Theatro Circo

2010-09-03T09:40:00.001-07:00

Concerto “à la carte” de Franz Xaver Kroetz

21 a 24 de Setembro – 21h30 no Theatro Circo

Concerto “à la carte” da Companhia de Teatro de Braga regressa à sala principal do Theatro Circo para uma curta série de representações, de 21 a 24 de Setembro, às 21h30.

Concerto “à la carte”, de Franz Xaver Kroetz, é um monólogo sem palavras, um espectáculo de existência, onde durante hora e meia Ana Bustorff é a Sr.ª Rasch, uma senhora solitária igual a tantas que moram no apartamento ao lado, que se cruzam connosco no supermercado, a quem olhamos sem ver e que morrem sem sabermos e sem elas mesmas darem por isso.

O espectáculo, com encenação de Rui Madeira, será também apresentado em Espanha: em Outubro (27), no âmbito do FITO – Festival Internacional de Teatro de Ourense, e em Janeiro (14 e 15), no Centro Dramático Galego, em Santiago de Compostela. Recorde-se que Concerto “à la carte” já foi apresentado em Castro Daire; Porto, no Teatro Carlos Alberto, integrado no ciclo “Solos”; Santarém; Almada; Aveiro; Coimbra, no Teatro Académico Gil Vicente, incluído no ciclo “Do monólogo, coisa pública”; Viseu; e Cagliari (Itália), no Festival “Superquattro - Teatro no Feminino”.

Interpretação Ana Bustorff Encenação Rui Madeira Assistentes de encenação Frederico Bustorff Madeira, Solange Sá Tradução Maria Adélia Silva Melo Cenografia Carlos Sampaio Figurinos Sílvia Alves Desenho de luz Fred Rompante Desenho de som Pedro Pinto Fotografia Paulo Nogueira

"The Prisoner of Second Avenue"

2010-09-03T08:51:00.000-07:00

"Um Eléctrico Chamado Desejo" no TNDMII

2010-09-03T08:48:00.000-07:00

EntreMitos em Oeiras

2010-09-03T08:35:00.000-07:00

Francisco Nicholson recebe o “Prémio Beatriz Costa”

2010-09-03T08:30:00.000-07:00

Francisco Nicholson recebe o “Prémio Beatriz Costa”, atribuído pela Comissão de Festas da Charneca, de Venda do Pinheiro (Aldeia da Roupa Branca).

A Comissão de Festas da Charneca, de Venda do Pinheiro, a Aldeia da Roupa Branca (antiga Charneca do Milharado), terra que viu nascer Beatriz Costa, uma das nossas maiores vedetas de todos os tempos, institui, a partir deste ano, um Prémio com o nome da Actriz sua patrona inspiradora, destinado a galardoar uma personalidade que ao longo da sua carreira se tenha distinguido ao serviço do Teatro de Revista.

Francisco Nicholson, autor, actor e encenador que ainda recentemente foi distinguido com a Medalha de Mérito, Ouro, pela Câmara Municipal de Lisboa, por serviços relevantes prestados à Cultura da Cidade e do País, receberá no próximo Sábado, dia 04, pelas 22,30 horas, no palco principal das Festas da Charneca, que se iniciam dia 02 e decorrem até dia 06 de Setembro, o primeiro Troféu Beatriz Costa.

Trata-se de homenagear alguém, que ao longo duma carreira multifacetada, contribuiu não só para muitos êxitos, mas também, para a dignificação do Teatro de Revista.

Neste momento, Francisco Nicholson encena “Vai de em@il a Pior!...”, a nova revista produzida por Hélder Freire Costa para o seu Teatro Maria Vitória, que assinala o regresso de Florbela Queiroz aos palcos nacionais. Com textos de Francisco Nicholson e Mário Raínho, música de José Cabeleira e Pedro Lima, cenografia de Moniz Ribeiro, figurinos de Magda Cardoso e coreografia de Marco de Camillis, a revista “Vai de em@il a Pior!...”, conta no seu elenco, além de Florbela Queiroz, Paulo Vasco, Carlos Queiroz, Vanessa, Joana Alvarenga, Cristina Aurélio, David Ventura, Raquel Lourenço, João Duarte Costa, Élia Gonçalves e a atracção do fado Joana Baeta.

Memórias de Maria Dulce

2010-09-03T08:08:00.000-07:00

por Lauro António

Aqui há dois ou três anos, Luciano Reis (honra lhe seja feita!) escreveu uma curta biografia sobre a actriz, que foi publicada com o título “Maria Dulce a Verdade a que tem Direito”. Luciano Reis soube que eu tinha uma particular estima pela actriz e pediu-me um prefácio, que escrevi com todo o gosto. Rezava assim:

PARA A MARIA DULCE COM AMOR

Durante alguns anos da minha adolescência vivi em Portalegre. Meu pai era professor e fora colocado nessa bela cidade do Alto Alentejo para se efectivar. Em finais dos anos 50, não sei precisar o ano, mas recordo que era um puto de 13 ou 14 anos que já tinha escolhido as paixões que me iriam acompanhar ao longo da vida. Uma delas era o cinema, outra a escrita, a leitura, os jornais, outra o SCP, outra as mulheres. Entre estas últimas, que na altura não eram ainda mulheres mas meninas mais ou menos da minha idade, encontrava-se a Maria Dulce, a Maria de Noronha, do “Frei Luís de Sousa”, filme de 1950. Devo ter visto o filme no ecrã do Teatro Portalegrense ou no cinema ao ar livre da Cine Parque, uma esplanada que funcionava durante o Verão.

Ainda me lembro hoje como era bonita a gaiata loura de catorze anos, com os cabelos encaracolados, que tinha pouco mais anos idade que eu, e cintilava brilhantemente nesse filme de António Lopes Ribeiro. Não sei mesmo o que mais me impressionou na altura – se o dramático “Ninguém!” do Romeiro, se a presença da bela Maria Dulce. Já se sabe que todos os putos têm sonhos, um dos meus sonhos era a Maria Dulce. Linda de morrer (ou não estivesse no “Frei Luís de Sousa”!) e, ainda por cima, actriz, e de cinema. Era tudo o que eu podia desejar. Em sonhos… para quem vivia em Portalegre, nos anos 50. Sabem o que era isso? Perdido junto à fronteira com a Espanha, a muitas horas de Lisboa, longe de tudo... ainda sem televisão. Só revistas de cinema, jornais diários, jornais regionais, um ou outro filme português no cinema da terra.

Existia, todavia, uma prática saudável. Rara, mas mesmo assim salutar: de tempos a tempos aparecia em digressão pela província uma companhia teatral, normalmente uma revista ou comédia de sucesso garantido, uma vez por outra algo de mais substancial. Havia também a Companhia de Teatro Itinerante Rafael de Oliveira, e outros espectáculos musicais.

Pois não querem então lá ver que um dia apareceu anunciada a presença de Maria Dulce em Portalegre! Integrada em que projecto (como hoje se diz), já não me lembro. Mas não devia ser grande coisa, uma revista montada para consumo na província ou um “sarau para trabalhadores”, daqueles que a FNAT promovia para “Alegria no Trabalho”. Mas eu queria lá saber da qualidade do “projecto”. O que me interessava era a Maria Dulce em Portalegre, e esse episódio não o esqueci mais. Por varias razões: por ver a Maria Dulce, “ao vivo e a cores”, diriam os putos de hoje; porque era teatro, ou algo semelhante, e tudo o que mexesse num palco, valia a pena, mas sobretudo por um acontecimento que ocorreu e que me marcou profundamente.

Passo a contar, para ficar registado para a História: anunciado o espectáculo para a noite do dia tal, calculei que a Maria Dulce e todo o elenco chegariam de véspera e ficariam instalados na Pensão Vinte e Um, a única então existente em Portalegre, onde todas as noites se podia ver a jantar o poeta José Régio, amigo da minha família, o que me fazia um frequentador assíduo da pensão. Consegui saber com facilidade quando chegava a comitiva, quantos dias iam ficar, introduzindo-me assim no segredo dos deuses.

Mal a Maria Dulce pôs o pé em Portalegre, já estava eu no seu encalço. Chegámos portanto à fala, à porta da Pensão Vinte e Um. Como já por essa altura escrevia umas “notícias” sobre espectáculos para os jornais da terra, pedi-lhe descaradamente uma borla para o espectáculo da noite. Eu e uns colegas de liceu que me acompanhavam. A Maria Dulce, com uma simpatia que rondava a sedução (mas o que não rondaria a sedução nela?), disse-me que deixaria bilhetes para nós na porta do Teatro, à hora do espectáculo. Assim foi. Às 21 horas, lá estava eu e os amigos a recolher a oferta: uma magnífica frisa para os atrevidos putos do liceu de Portalegre.

Nessa noite, cada palavra de Maria Dulce fazia aumentar a minha paixão. Que perdura até hoje, apesar dela não saber. Desencontros da vida.

Ao longo da tempos fui acompanhando a sua carreira, sempre com um interesse particular (um amor de adolescência não se esquece!). Uma ou outra vez tropecei em filmes medíocres (ela não voltou a ter muita sorte com os filmes, mas naquele tempo, quem tinha?), mas nunca por culpa dela, que tentava defender personagens banais em argumentos sem garra e realizações sem nada que as recomendassem. Em Espanha foi vedeta, mas também aí os filmes do período franquista não eram particularmente brilhantes. No teatro, porém, construiu uma carreira sólida, onde brilhou o seu enorme talento e dedicação à arte, sempre que havia oportunidade para o conseguir (Portugal é, todavia, madrasto para os seus artistas, já se sabe). Na revista obteve êxitos inesquecíveis. Na televisão, sobretudo ultimamente em séries e telenovelas, foi mantendo um registo de qualidade e de exigência para consigo própria e para com o seu público. Hoje é uma das presenças mais respeitadas e queridas do nosso espectáculo.

Já não tem os caracóis louros. Pois não. Vamos obviamente envelhecendo. “Os cabelos branqueando”, como dizia um nosso comum amigo, José Viana. Mas há dias, numa aula de História do Cinema Português, projectei o “Frei Luís de Sousa” e tudo voltou ao que era: eu adolescente, ela adolescente, a frisa no Teatro Portalegrense, Portalegre, à porta da Pensão Central, o autocarro com a companhia, pronto para regressar a Lisboa, eu a despedir-me de Maria Dulce, com o coração destroçado. Coisas de miúdos.

Um beijo para ti, Maria Dulce, do teu Lauro António.

Há coisa de ano e meio, recebi um telefonema de Maria Dulce. Estava sem trabalho, morava em Mora, no Alentejo, sozinha, tinha uma pensão miserável, passava por dificuldades, ia neste ano de 2010 comemorar 60 anos de carreira (tinha-se estreado ao treze, em “Frei Luís de Sousa”) e perguntava-me, a medo, se eu quereria integrar um projecto que ela tinha. Queria comemorar os seus 60 anos de carreira, havia um grupo de admiradores que propunha uma festa de homenagem, e ela, que tinha assistido a um festa idêntica, realizada em Oeiras por mim, em relação a José Viana, dizia-me que só aceitava que fosse eu a organizar os festejos. Uma festa, e se possível um vídeo sobre a sua vida e obra. Se eu aceitava? Claro que aceitava. E logo nessa altura a convidei a integrar o Júri de um festival que se realizaria em Maio, em Portel. Até uns dias antes do certame, contei com ela, teríamos alguns dias para falar do projecto. Mas, na altura do festival, ela fora convidada por Celso Cleto (honra lhe seja feita!) para integrar o elenco da peça "Hedda Gabler", de Henrik Ibsen, produzida pelo Dramax, com a qual se apresentou em vários palcos nacionais e no Círculo de Bellas Artes, em Madrid. Não pôde estar no Festival, mas combinámos para mais tarde continuar a nossa conversa. Depois ela andou em tournée, durante vários meses, e eu fui parar ao hospital durante uma semana que deixou algum rasto. Voltámos a falar e a adiar o encontro, ela tinha um outro projecto, andava um pouco mais animada.

Hoje telefonaram-me a dar conta da triste notícia.

Lamento, Maria Dulce, que os tempos tenham sido de novo madrastos para projectos conjuntos. Mas acredita que teria tido o maior prazer em organizar a tal festa de homenagem e dirigir o documentário sobre a tua vida e obra. Bem os merecias. Bem os mereces. Beleza e talento não te faltaram. Apenas alguma sorte, neste tão triste final de vida.

E continuo a despedir-me, como o fiz no prefácio ao livro: “Um beijo para ti, Maria Dulce, do teu Lauro António”. As paixões da meninice nunca se esquecem.

Filipe La Féria: “Se fosse inglesa era uma dame, aqui morreu pobremente”

O encenador Filipe La Féria classificou Maria Dulce, hoje falecida, aos 73 anos, como “uma grande actriz” que, “se fosse inglesa, era uma dame” mas em Portugal “morreu pobremente, com dificuldades, esquecida por todos”.

“A Maria Dulce foi uma estrela do teatro de revista e sobretudo do cinema. Ela fez filmes extraordinários. Estreou-se como actriz no ‘Frei Luís de Sousa’ ainda muito nova, com 12 anos. O seu nome ficará sempre ligado ao cinema português e também ao teatro ligeiro. Ela, comigo, fez, na Casa da Comédia, o ‘Faz Tudo, Faz Tudo, Faz Tudo’ – que foi uma peça memorável em que ela fazia um papel extraordinário – e fez na televisão comigo também a ‘Grande Noite’”, disse o encenador à agência Lusa.

“Era uma actriz excelente, uma chamada vedeta de revista – isto, no bom sentido – uma mulher lindíssima, com uns olhos verdes fascinantes e com uma voz que prendia o público. É pena que esse teatro esteja tão decadente, porque ela foi um bocadinho vítima do declínio do teatro em que ela era uma estrela absoluta”.

Filipe La Féria classificou ainda Maria Dulce como “uma actriz versátil”, que fez “desde teatro de revista ao teatro clássico”, no Teatro Nacional D. Maria II, na Companhia Amélia Rey Colaço/Robles Monteiro.

Na sua opinião, a memória dela “ficará muito presa ao cinema, sobretudo à Maria de Noronha que ela faz fantasticamente no ‘Frei Luís de Sousa’ do António Lopes Ribeiro”.

O encenador referiu ainda o facto de a actriz ter também feito “muita televisão”, e sublinhou que “era uma actriz de primeiro plano” e “uma mulher lindíssima”:

“Trata-se de uma grande actriz que desaparece, infelizmente muito esquecida quer pelo público, quer pelos responsáveis pela cultura. Não era uma segunda figura, mas uma primeira figura do teatro português, fez trabalhos fantásticos. Se fosse inglesa, era uma dame. Aqui não, aqui morreu pobremente, com dificuldades, e esquecida por todos. É muito o espírito português, infelizmente. Em Portugal, as pessoas são muito esquecidas e maltratadas. Só quando morrem é que se lembram delas... Isso deixa-me triste, deixa-me muito triste.”

in Público

Fotos de camarins de "Hedda Gabler" em Ilhavo (2009) de Helder Bugios

Curso de Expressão Dramática por Bruno Schiappa

2010-09-02T10:13:00.000-07:00

Estão abertas as inscrições para o Curso de Expressão Dramática, de Bruno Schiappa, que funcionam nas instalações da Colectividade Cultural e Recreativa de Santa Catarina vulgo Chapitô, integrado no programa dos Cursos de Fim de Tarde. As aulas de Bruno Schiappa são baseadas, sobretudo, nas técnicas d'O Método de Lee Starsberg. Bruno Schiappa é Doutorando em Estudos Artísticos pela Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa, Mestre em Estudos de Teatro pela mesma instituição e Licenciado em Actor/Encenador pela Escola Superior de Teatro e Cinema. A especialização nas técnicas d'O Método foi feita com Marcia Haufrecht (membro do Actors' Studio e aluna de Strasberg) desde 1995 até à actualidade. Schiappa é assistente e coordenador dos Cursos de M. Haufrecht, em Lisboa, desde 2000.

Este curso, criado em 1993 pelo próprio, inclui também trabalho físico (flexibilidade e ritmo) e vocal (respiração, apoio, dicção). O mesmo destina-se a qualquer pessoa que queira ter contacto com as técnicas de Expressão Dramática para além de actores, encenadores e bailarinos.

O trabalho sensorial que Bruno Schiappa tem desenvolvido com os alunos que por ele passaram tem sido bastante elogiado pela própria Marcia Haufrecht. Bruno Schiappa é criador de projectos pessoais e trabalha com a Companhia canadiana Pigeons International como actor desde 2000. Dirigiu um workshop destas técnicas para actores, em Montréal, em 2001.

"Bruno Schiappa's work with actors exhibit sensitivity, intelligence and imagination.

Also, his knowledge and understanding of theatre past and present is unsurpassable. I believe he can make a very big contribuition and effect a positive influence with any opportunity he has for advancing the art of acting".

Marcia Haufrecht

O horário é pós-laboral. 2ªs e 4ªs das 19h às 21h.

As inscrições e informações mais concretas de preçário devem ser feitas através do telefone: 218855550

As aulas começam em Outubro.

Hoje Fura dels Baus em Lagos

2010-08-29T09:17:00.000-07:00

Pessoas a voar a 30 metros de altura, bonecos gigantes e uma rede de acrobatas suspensos. Os La Fura dels Baus trazem a Portugal um espetáculo exclusivo sobre os Descobrimentos, em Lagos, para comemorar os 550 anos da morte do Infante D. Henrique.

Domingo, Praça do Infante Dom Henrique, 22 horas, Lagos. O ponto está marcado, o espetáculo é a não perder.

"Gnosis é uma peça sobre os Descobrimentos, mas num sentido lato, mais como conhecimento. E é nesse conhecimento que aparece também a solidariedade, que é onde entra este número dos voluntários, que ficam suspensos na rede", explica ao Expresso Pera Tañatina, diretor criativo e fundador da companhia catalã.

Os Fura regressam a Portugal com uma peça encomendada pelo programa Allgarve, alusiva à figura do Infante Dom Henrique, cuja estátua é utilizada como parte interveniente da própria peça.

Gnosis, a avaliar pelo ensaio, é um macro-evento, que envolve perto de 120 pessoas, entre elas 42 voluntários portugueses que foram selecionados para poderem ficar suspensos em cadeia (os de baixo estão agarrados aos de cima, em sete camadas).

Se a isto juntarmos uma boneca de ferro de 10 metros de altura, uma roda gigante com oito metros de diâmetro, 60 mil watts de som e alguns milhares de espetadores, Gnosis não deverá desiludir os fãs do revolucionário grupo que já conta com 30 anos de existência.

"Nós costumamos promover muito o contato com o público, e aqui também o faremos embora não de uma forma tão direta como é costume, porque são muitos milhares de pessoas e era impossível", conclui Pera Tañatina, no final do ensaio de sexta-feira. A entrada é livre.

in Expresso

Video aqui

Morreu a Actriz Maria Dulce

2010-08-24T13:02:00.000-07:00

Actriz Maria Dulce morre aos 73 anos

A actriz Maria Dulce, 73 anos, morreu esta terça-feira de manhã na sua casa em Bucelas (Loures), confirmou ao ‘CM’ Celso Cleto, que estava a ensaiar com a actriz a peça ‘Sabina Freire’.

Com uma carreira de 60 anos, a actriz vivia sozinha e as causas do óbito estão ainda por apurar, tendo o corpo já seguido para o Instituto de Medicina Legal.

Maria Dulce estava a ensaiar a peça ‘Sabina Freire’, de Manuel Teixeira Gomes, que devia estrear-se no auditório Eunice Muñoz, em Oeiras, a 5 de Outubro. Em 2009, havia entrado em ‘Hedda Gabler’, de Henrik Ibsen, também encenada por Celso Cleto.

Conhecida dos portugueses graças à sua presença em muitas produções no pequeno ecrã, estreou-se aos 13 anos no filme ‘Frei Luís de Sousa’, de António Lopes Ribeiro. Entrou em telenovelas como ‘Chuva na Areia’, ‘Passerelle’, ‘A Banqueira do Povo’ e ‘A Lenda da Garça’.

Também entrou em séries de humor, participou em ‘Nico d’Obra’, ‘Os Andrades’ e na ‘Grande Noite’, de Filipe La Féria. Mais recentemente, participou nas telenovelas da TVI ‘Anjo Selvagem’ e ‘Baía das Mulheres’ e das séries da RTP ‘Liberdade 21’ e ‘Pai à Força’.

REACÇÕES

FILIPE LA FÉRIA: "Trata-se de uma grande actriz que desaparece, infelizmente muito esquecida quer pelo público, quer pelos responsáveis pela cultura. Não era uma segunda figura, mas uma primeira figura do teatro português, fez trabalhos fantásticos. Se fosse inglesa, era uma 'dame'. Aqui não, aqui morreu pobremente, com dificuldades, e esquecida por todos. É muito o espírito português, infelizmente. Em Portugal, as pessoas são muito esquecidas e maltratadas. Só quando morrem é que se lembram delas... Isso deixa-me triste, deixa-me muito triste."

ALINA VAZ: "Uma excelente atriz, muito segura, com boa voz e uma figura muito bonita em cena."

SOFIA ALVES: "Estava muito feliz por ter a possibilidade de mostrar trabalho, numa altura em que estava posta de lado."

ALBERTO VILAR: "Era uma profissional a sério e muito correcta, segura, com grande rigor e profissionalismo."

in Correio da Manhã

A actriz Maria Dulce, de 73 anos, morreu hoje de manhã na sua casa em Bucelas (Loures), disse à Lusa fonte do Dramax -- Centro de Artes de Oeiras Box.

A actriz estava ensaiar a peça «Sabina Freire», de Manuel Teixeira Gomes, encenada por Celso Cleto, com estreia prevista para 05 de outubro no auditório Eunice Muñoz, em Oeiras.

«A actriz apareceu morta hoje em casa, em Bucelas. O corpo seguiu para o Instituto Medicina Legal», disse a mesma fonte. “Estamos também à procura de familiares da Maria Dulce, pois ela vivia sozinha e não temos quaisquer contactos”, acrescentou

Maria Dulce, natural de Lisboa, deu os primeiros passos na representação no início dos anos 50, e logo num filme de António Lopes Ribeiro. O papel da jovem D. Maria de Noronha, em "Frei Luís de Sousa", foi a estreia desta actriz, que na altura contava com apenas 14 anos.

A sua carreira também passou, principalmente nos primeiros tempos, por Espanha, onde fez teatro, cinema e televisão. É principalmente nesta última área que Maria Dulce é conhecida pelo público português. Ao longo da sua vida entrou em diversas novelas televisivas e séries, entre elas "Os Andrades", sobre uma família portuense, na qual Dulce interpretava o papel de sogra do protagonista.

Recentemente, Maria Dulce fez parte do elenco da peça "Hedda Gabler, de Ibsen, encenada por Celso Cleto e que foi apresentada em diversos palcos do país e ainda no Circulo de Bellas Artes, em Madrid.

in SAPO/Lusa

A atriz Maria Dulce, 73 anos, morreu hoje de manhã na sua casa em Bucelas (Loures), disse à Lusa fonte do Dramax - Centro de Artes de Oeiras Box.

A atriz estava ensaiar a peça "Sabina Freire", de Manuel Teixeira Gomes, encenada por Celso Cleto, com estreia prevista para 5 de outubro no auditório Eunice Muñoz, em Oeiras.

"A atriz apareceu morta hoje em casa, em Bucelas. O corpo seguiu para o Instituto Medicina Legal", disse a mesma fonte.

"Estamos também à procura de familiares da Maria Dulce, pois ela vivia sozinha e não temos quaisquer contactos", disse.

Maria Dulce tinha uma carreira de 60 anos, tendo participado em vários filmes, tanto em Portugal como em Espanha, onde obteve grande sucesso.

Na televisão integrou o elenco de várias telenovelas e séries televisivas, nomeadamente "Os Andrades".

No ano passado, integrou o elenco da peça "Hedda Gabler", de Henrik Ibsen, com encenação de Celso Cleto, produzida pelo Dramax, com a qual se apresentou em vários palcos nacionais e no Círculo de Bellas Artes, em Madrid.

Maria Dulce estreou-se aos 13 anos, no papel de Maria, no filme "Frei Luís de Sousa", de António Lopes Ribeiro.

in Expresso

fotografia autografada do espólio de Lauro António, reproduzida com a autorização.

Grande Festival de Teatro em Londres para 2012

2010-08-21T09:20:00.000-07:00

Oito dos maiores teatros de Londres incluindo o Royal Court, o Battersea Arts Centre e o Young Vic uniram-se pela primeira vez para criar um Festival de Teatro que custará algo como 3 milhões de libras para 2012, celebrando a multiculturalidade da cidade do ano Olímpico.

Também envolvidos estão o National Theatre, o Theatre Royal Stratford East, o Lyric Hammersmith, o Somerset House e o Sadler’s Wells, todos eles a trabalhar em conjunto para criarem o projecto a que chamaram "World Stages London", uma série de eventos teatrais com um sabor internacional que terão lugar em Maio de 2012. A iniciativa, que revelará novo trabalhos baseados em histórias tradicionais, recebeu 67,375 libras do fundo do Arts Council England e está a ser supervisionado pelo director artístico do Young Vic, David Lan e a consultora artistica Nicola Thorold.

David Lan disse que o consorcio conseguirá produzir cerca de cinco espectáculos, coisa que os teatros independentemente não conseguiriam fazer.

“Se trabalharmos em conjunto, é possível conseguirmos produzir algo que noutras circunstancias seria muito difícil. Estamos à procura de novas maneiras de trabalhar e colaborar e temos esperança de encontrar novos fundos de investimento. Como estamos a trabalhar com este grupo de teatros de primeira qualidade conseguiremos com toda a certeza criar trabalhos de primeira qualidade.”

Ainda acrescentou que o consorcio queria encontrar uma maneira de "exprimir a complexidade" de Londres em termos da sua diversidade.

Apesar do World Stages London ir ter lugar durante as Olimpíadas ainda não é certo se o Festival irá ou não fazer parte da Olimpíada Cultural Oficial.

Entre os espectáculos já a serem criados está o trabalho do BAC com o Lyric, o Somerset House e o Young Vic num projecto com a Wildworks, que está a criar uma produção em larga escala ao ar livre chamada "Babel", baseada na história bíblica da Torre de Babel.

Stratford East está a trabalhar com o Sadler’s Wells para criarem um musical inspirado em Bollywood escrito por Tanika Gupta. Gupta, esteve em Mumbai a fazer pesquisa para o projecto e disse: “não se vai passar na India, vai-se passar em Londres, e terá muita fusão, e a musica será menos tradicional.”

Nomeações para os melhores actores do Frindge

2010-08-21T09:01:00.000-07:00

O Traverse Theatre teve oito nomeações e o Assembly Rooms seis nos Stage Awards por Excelência em Representação no Edinburgh Festival Fringe, com o Assembly a dominar a categoria de Melhor Performer Solo.

Agora na sua 16ª edição, os Stage Awards são os únicos prémios com algum mérito apresentados por uma publicação inglesa no Fringe. Incluem categorias para Melhor Actor, Melhor Actriz, Melhor Ensemble e Melhor Performer Solo. As nomeações são escolhidas pela equipa de criticos do jornal que vem centenas de produções antes de fazerem as suas escolhas.

Os vencedores serão anunciados numa cerimónia (onde só se pode entrar por convite) no Dance Base, na tarde do dia 29 de Agosto, apresentada por Nick Awde e Duska Radosavljevic.

LISTA COMPLETA DE NOMEADOS
MELHOR ACTOR
• Martin McCormick por Decky Does a Bronco, Grid Iron (Traverse @ Scotland Yard)
• Karl Shiels por Penelope, Druid (Traverse)
• Niall Buggy por Penelope, Druid (Traverse)
• Scott Kyle por Singin’ I’m No a Billy, He’s a Tim, NLP Theatre (Assembly @ George Street)
• Blair Anderson por My Name is Richard, Kerfuffle (C too)
• Renny Krupinski por Bare, Bareback Theatre Company, (theSpaces on the Mile @ The Radisson)

MELHOR ACTRIZ

• Marianne Oldham por The Girl in the Yellow Dress, Citizens Theatre/LIVE Theatre/Market Theatre (Traverse)
• Kerri Hall por Hot Mess, Tantrums Ltd (Hawke + Hunter)
• Natasha Gordon por Speechless, Shared Experience/Sherman Cymru (Traverse)
• Demi Oyediran por Speechless, Shared Experience/Sherman Cymru (Traverse)
• Mercy Ojelade por Roadkill, Ankur Productions/Pachamama Productions (Traverse)
• Penny Layden porLidless, HighTide/Escalator East to Edinburgh (Udderbelly’s Pasture)

MELHOR ENSEMBLE
• Beautiful Burnout, Frantic Assembly/National Theatre of Scotland/Bryony Lavery (Pleasance Courtyard)
• Keepers, Pleasance e Plasticine Men (Pleasance Courtyard)
• David Leddy’s ‘Sub Rosa’, Fire Exit em associação com o Citizens Theatre (Hill Street Theatre)
• Do We Look Like Refugees?!, Beyond Borders Productions Ltd (Assembly @ George Street)
• White, Catherine Wheels, (Traverse @ Scottish Book Trust)
• Operation Greenfield, Little Bulb Theatre (Zoo Roxy)

MELHOR PERFORMER SOLO
• Ansuya Nathan por Long Live the King, Guy Masterson/TTI e The Fixed & the Free (Assembly @ George Street)
• Kristen Thomson por I, Claudia, Guy Masterson/TTI em associação com Crow’s Theatre e Brian Robertson (Assembly @ George Street)
• Nilaja Sun for No Child…, Barrow Street Theatre e Scamp Theatre (Assembly @ George Street)
• Caroline Horton por You’re Not Like the Other Girls Chrissy, Caroline Horton (Pleasance Courtyard)
• Trystan Gravelle por Honest, Royal & Derngate, Northampton (Assembly @ George Street)
• Thomas Marceul por Hamlet, the End of a Childhood, Naxos Theatre & Les Tréteaux de la Pleine Lune (The Zoo)

"Agosto Azul" coloca 170 pessoas a representar em Portimão

2010-08-21T08:56:00.000-07:00

"Agosto Azul" em Portimão com 170 figurantes de todas as idades. Cento e setenta pessoas de todas as idades apresentam em Portimão o espectáculo de teatro coletivo "Agosto Azul", que revela a obra homónima de Manuel Teixeira Gomes. O espectáculo pode ser visto hoje e amanhã (21 e 22 de Agosto), a partir das 22h00, na Praça 1º de Maio, em Portimão.

A peça, adaptada daquela obra do "escritor presidente", tem como cenário natural o edifício dos Paços do Concelho de Portimão, na Praça 1º de Maio, onde atores de diferentes gerações se unem numa criação coletiva.

Os atores, músicos, bailarinos e figurantes - o participante mais novo tem 4 anos e o mais velho 87 -, fazem a ponte entre episódios da vida do escritor e o quotidiana de Portimão na atualidade, explicou à Lusa o responsável pelo projeto.

"Embora a direção seja minha, este espetáculo resulta de uma criação coletiva", conta João Correia, que colheu depoimentos de portimonenses para compor o texto, misturando histórias de Teixeira Gomes com relatos da comunidade viva.

"Enquanto fazemos alegorias à vida do escritor, vamos também contando a história das pessoas que estão em cima do palco e da vida atual da cidade", explica, sublinhando que o espetáculo resulta da "sinergia entre 170 pessoas".

Para tal, a produção do espetáculo, a cargo da associação Pele, com sede no Porto, lançou um concurso que desafiava os portimonenses a escrever cartas (o livro "Agosto Azul" inclui a publicação de cartas) onde descrevessem a cidade e a sua cultura.

A criação - em que participam desde pescadores profissionais a professores, estudantes ou funcionários públicos -, alia o teatro à música e à dança, com a participação de um rancho folclórico, bailarinas clássicas e de uma sociedade filarmónica.

Sons típicos como o do corridinho algarvio, mais clássicos como o de uma sinfonia de Beethoven (o compositor preferido de Teixeira Gomes) ou mesmo provenientes de um coro que fará sonoplastia ao vivo, compõem as cenas do espetáculo.

A iniciativa insere-se nas comemorações dos 150 anos do nascimento de Teixeira Gomes, o sétimo Presidente da República portuguesa, nascido em Portimão em 1860.

O cargo duraria poucos anos, pois o "escritor presidente" renunciou ao mandato para se dedicar à literatura, vindo mais tarde a auto-exilar-se na Argélia, onde morreu em 1941.

O projeto de arte comunitária "Agosto Azul" arrancou em março, congregando grupos de teatro já existentes na comunidade e um novo grupo inter-geracional que juntou seniores de vários centros de dia com jovens e adultos.

TEC homenageia António Feio

2010-08-21T08:53:00.000-07:00

Teatro Experimental de Cascais homenageia António Feio - O actor António Feio, falecido a 29 de Julho, vai ser homenageado na próxima quarta-feira, pelas 17h00, no Espaço Memória do Teatro Experimental de Cascais. Após a homenagem, pelas 22h00, será apresentado o espectáculo 'As Muralhas de Elsinore', no Teatro Municipal Mirita Casimiro, e contará com as participações de Alexandre Carvalho, Hugo Barreiros, Rodrigo Saraiva, Romeu Vala, Sara Prata e Vera Feu, encenados por Marco Medeiros.50 por cento dos ganhos na venda de bilhetes para o espectáculo revertem a favor da Liga Portuguesa Contra o Cancro

"Earthquakes in London" no National Theatre

2010-08-21T08:49:00.000-07:00

"Hanjo" de Mishima na Comuna

2010-08-21T08:41:00.000-07:00

Hanjo (1956) representará uma surpresa para os menos conhecedores, pensando erradamente que a morte é a única inquietação de Mishima, como suscitará o escândalo para os entendidos no teatro Noh. Não mostrando uma formalidade radical, Mishima inverte do avesso as intenções aparentes desta curta peça, tornando-a uma digna representante das tragédias silenciosas, na esteira da moderníssima escrita psico-sexual dos seus contemporâneos. Também o final de Hanjo, é deliberadamente aberto para sublinhar a última linha da personagem Jitsuko: sorrindo com a impossibilidade de qualquer tipo de felicidade; guardando a beleza só para ela.

Yoshio, um jovem, apaixona-se por Hanako, uma gueixa. Como não podem ficar juntos, trocam os seus leques como promessa do seu amor. Yoshio não volta e Hanako perde a razão. Um ano e meio depois, Jitsuko, uma pintora, conhece Hanako e convida-a a viver com ela em Tóquio. Durante todo esse tempo, a gueixa vai diariamente à estação de comboios esperar Yoshio.Três anos depois de os amantes se separarem, Jitsuko lê, no jornal diário, um artigo sobre Hanako. Nele divulga-se onde vive a jovem do leque e Jitsuko, com medo que Yoshio as encontre e separe, decide fazer as malas e fugir. Hanako volta a casa muito cansada da sua espera diária. Jitsuko tenta convencê-la, sem êxito, de que devem sair juntas à procura de Yoshio por todo o Japão pois essa será a única maneira de se encontrarem. Hanako não aceita e vai descansar. Ela só sabe esperar.

Autoria Yukio Mishima; Encenação e Tradução Paulo Lage; Interpretação Elmano Sancho, Joana Metrass e Suzana Borges; Cenário Ana Paula Rocha; Figurinos Graça Rodrigues; Obras de arte Adriana Molder; Produção Culturproject;

Após o espectáculo poderá visitar o cenário de Ana Paula Rocha e Contemplar as obras de arte elaboradas propositadamente para este espectáculo pela artista plastica Adriana Molder.

Teatro da Comuna

Praça de Espanha, Lisboa

De 2 de Setembro a 6 de Setembro, às 22 horas

Excepto domingo dia 5 que a sessão se realiza às 17 horas

Preço: 10.00€ - Preço normal 7.50€ - Estudantes e Reformados

Reservas e Informações: 217 941 252, site: http://hanjo-mishima.blogspot.com/

"Danton's Death" no National Theatre

2010-08-21T08:40:00.000-07:00

Ricardo Afonso regressa a "We Will Rock You"

2010-08-21T08:36:00.000-07:00

Anunciado o elenco para o 10º ano de "We Will Rock You" - O português Ricardo Afonso regressa ao papel de Galileo. Kevin Kennedy, mais conhecido em Inglaterra pelo seu papel na série de tv "Coronation Street" vai integrar o elenco do espectáculo no West End, junta-se à estrela do "X-Factor" Brenda Edwards que interpretará a Killer Queen. Ricardo Afonso will regressa ao elenco no papel do rebelde e sonhador Galileo que já vestira entre 2007-2009 e que lhe valeu o Prémio Frederico Valério do Guia dos Teatros, enquanto Sarah French voltará ao papel de Scaramouche. Rachel John irá assumir o papel de Meat a partir do dia 1 de Nov. na sua estreia como protagonista no West End depois de vários papéis de ensemble em Sister Act ou The Lion King. Alex Bourne e Ian Carlyle vão continuar como Khashoggi e Britney, respectivamente.

We Will Rock You está agora a aceitar reservas até Abril de 2011. Para bilhetes ligue 0844 847 1775, ou vá a www.wewillrockyou.co.uk para mais informações.

Anunciado o elenco de "Elf the Musical"

2010-08-21T08:32:00.000-07:00

Foi anunciado o elenco para "Elf - o Musical", o projecto baseado no filme de 2003 com Will Farrell. Segundo a Playbill o elenco é Beth Leavel (Mama Mia!), Mark Jacoby (Sweeney Todd), George Wendt (Cheers), Matthew Gumley (Addams Family), Valerie Wright (Steel Pier), Michael McCormick e Michael Mandell, o espectáculo estreará na Broadaway a 14 de Novembro. Ainda falta anunciara quem será o protagonista.

A encenação e coreografia será de Casey Nicholaw (The Drowsy Chaperone, Spamalot), o libreto é de Bob Martin (The Drowsy Chaperone) e Thomas Meegan (Hairspray, The Producers), e a música é de Matthew Sklar e Chad Beguelin (The Wedding Singer). Assim vai ser o Natal na Broadway!

Scene It! Novos musicais na televisão americana

2010-08-21T08:27:00.000-07:00

"Scene It" é um novo concurso da televisão norte-americana onde um painel composto por individualidades do mundo do teatro musical irá ver (pela primeira vez no programa) uma cena de um novo musical tendo sido já pré-seleccionadas as 15 melhores cenas. O vencedor do programa receberá uma bolsa para ajudar à produção do seu musical. Para visitar o site vá a http://sceneit2010.com/Home_Page.html

Avanteatro - Teatro na Festa do Avante

2010-08-21T08:24:00.000-07:00

Oito peças de teatro para público adulto e infantil, duas das quais de marionetas, uma oficina de bonifrates, três espectáculos de dança e outros tantos de música são as iniciativas do Avanteatro 2010, a repartir por espaços no palco, no exterior e no bar. "Tuning" de Rodrigo Francisco, pela Companhia de Teatro de Almada, "Nós Matámos o Cão Tinhoso" do escritor moçambicano Luís Bernardo Honwana, por O Bando, e "O saguão" do dramaturgo italiano Spiro Scimone, pelo Teatro dos Aloés, contam-se entre as peças a representar na Quinta da Atalaia.

Festival Teatro Agosto 2010 no Fundão

2010-08-21T08:22:00.000-07:00

Cinco espectáculos teatrais integram o programa do Festival Teatro Agosto 2010, entre 19 e 22 de Agosto, no Fundão, quatro deles apresentados ao ar livre, anunciou a companhia organizadora.

'A programação dá relevo a propostas que se inscrevam nas vertentes do teatro tradicional do Ocidente', explicou Alexandre Barata, da companhia ESTE - Estação Teatral da Beira Interior, à Agência Lusa.

O programa da sexta edição do festival apresenta comédias, contadores de histórias e teatro gestual, adaptados ao ar livre, 'fora da rigidez arquitectónica de uma sala de espectáculos', sublinhou.

'Uma das grandes vontades deste Festival é a de promover um verdadeiro encontro com a comunidade onde se insere o festival e solidificar uma relação criada ao longo dos últimos anos', acrescentou Alexandre Barata.

O Festival Teatro Agosto instituiu um prémio para a preferência do público, em que os espectadores classificam diariamente os espectáculos, e que se reflecte na abertura da edição do ano seguinte.

Para 19 de Agosto, está marcado o único evento que não vai decorrer ao ar livre: trata-se do espectáculo de honra e prémio do público 2009, 'Livro sem Palavras' de Carlos Martinez, no edifício da Moagem.

Segue-se na noite de 20 uma 'Comédia de Improviso' pela Commedia à La Carte, já no Espaço Gardunha Viva.

O espaço acolhe a 'Fabula Buffa' do Teatro Pícaro no dia 21 e a peça 'Cozinheiros, versão Commedia Dell'Arte' pela ESTE no dia 22.

Todos os espectáculos decorrem às 22:00, excepto 'A Marcha dos Andadores', dia 22, às 17:00, na Avenida da Liberdade, no centro do Fundão.

O programa inclui ainda música ao vivo nas noites de 17 e 18 de Agosto no espaço Gardunha Viva e duas oficinas que decorrem até dia 22 no edifício da Moagem, uma sobre commedia dell'arte e outra sobre animação de rua.

in DN

Festa do Teatro de Setúbal

2010-08-21T08:16:00.001-07:00

A Escola Secundária Sebastião da Gama, as praças do Bocage e da República, o Convento de Jesus, o Parque do Bonfim e Club Setubalense são 'palco' da XII Festa do Teatro, que começa a 21 de Agosto em Setúbal.

O festival abre com uma exposição de artes plásticas com obras de artistas locais sobre peças levadas à cena pelo Teatro Estúdio Fonte Nova - companhia totalmente subsidiada pela câmara local - a inaugurar no dia 21, às 19:00, na Escola Sebastião da Gama - antiga Escola Industrial e Comercial assim designada por o poeta aí ter leccionado.

O Teatro ao Largo (companhia itinerante de Vila Nova de Milfontes), o Peripécia Teatro (Vila Real), o TRIGO LIMPO teatro ACERT (Tondela), a companhia catalã Jordi Bertrán (Barcelona), a ESTE - Estação Teatral da Beira Interior (Fundão) e o Teatro dos Aloés (Amadora) são os participantes desta edição.

À excepção de 'As Guerras de Alecrim e Manjerona' de António José da Silva, pelo Teatro ao Largo (dia 22), no Parque do Bonfim, as restantes peças são todas apresentadas no novo ginásio da Escola Secundária Sebastião da Gama e começam às 22:00, tal como as restantes iniciativas do programa.

'Chovem amores na rua do matador', com texto de José Eduardo Agualusa e Mia Couto (TRIGO LIMPO, dia 28), no dia seguinte 'Poemes Visuals', uma ideia original, com direcção artística do catalão Jordi Bertrán, que especialistas consideram um dos mais reputados manipuladores de fantoches, e 'Saguão', do italiano Spiro Scimone, (Teatro dos Aloés, 03 de setembro) constam da programação.

A projecção de dois filmes realizados por Charlie Chaplin - 'Tempos Modernos', nos claustros do Convento de Jesus (dia 22), e 'O Grande Ditador'(dia 26), na Praça do Bocage, no 70.º aniversário da estreia deste - faz também parte do programa.

O dia 27 é dedicado à música, com um concerto pela cantora e compositora açoriana Alexandra Boga, a acordeonista setubalense Celina da Piedade - que já colaborou com músicos como Rodrigo Leão, António Chaínho, os Dazkarieh ou o compositor italiano Ludovico Einaudi - e o quarteto setubalense 'João da Ilha', no dia 27, nos claustros do Convento de Jesus.

'Democratização da Cultura/Teatro' é o tema da conferência em que participam Manuel Araújo, colaborador da Casa da Achada/Centro Mário Dionísio, Carlos Fragateiro e a deputada socialista Catarina Marcelino, no dia 31, no Club Setubalense. Um dia depois, neste clube serão apresentadas seis curtas metragens, cinco das quais realizadas por jovens de Setúbal.

A XII Festa do Teatro encerra a 04 de Setembro com um espectáculo na Praça da República, frente à Fundação Inatel, com a participação de vários criadores das áreas do teatro, música, poesia, dança e artes plásticas.

Homem Aranha estreia na Broadway

2010-08-21T08:11:00.000-07:00

Finalmente o Homem Aranha vai estrear na Broadway a 21 de Dezembro! Com texto de Julie Taymor e Glen Berger e música de Bono e The Edge, "Spider-Man Turn Off the Dark" foi talvez o musical com a mais dificil gestação das últimas decadas.

Evan Rachel Wood e Alan Cummings sairam do elenco, devido a excesso de atrasos. Na terça-feira os produtores anunciaram que Jennifer Damiano vai interpretar Mary-Jane Watson e Patrick Page o papel de Norman Osborn/The Green Goblin. O anteriormente anunciado Reeve Carney ainda se mantém no papel do protagonista.

O espectáculo estreará no antigo Hilton Theatre que se passará a chamar Foxwoods Theatre. o orçamento total do espectáculo é de cerca de 40 a 55 milhões de dólares. A encenação será de Julie Taymor de quem a Broadway tanto ama o seu "Lion King" Para visitar o site vá a http://spidermanonbroadway.marvel.com/

Um filme de Frederick Wiseman em exibição nas salas de cinema

2010-08-21T08:06:00.000-07:00

Morreu Orlando Worm

2010-08-05T11:33:00.000-07:00

O desenhador de luz Orlando Worm, que trabalhou os principais espaços das artes de palco portuguesas e fundou com Graça Barroso e Vasco Wellenkamp a Companhia Portuguesa de Bailado Contemporâneo, morreu ontem à noite aos 71 anos. Ao PÚBLICO em 2006, dizia considerar-se, mais do que um decano da sua profissão, "um realizador de TV".

Worm morreu no Hospital de S. Francisco Xavier, em Lisboa, vítima de doença prolongada, indicou à Lusa fonte da companhia. O corpo de Orlando Worm vai estar a partir das 16h30 de hoje na capela de S. Miguel, em Sintra, de onde sairá sexta-feira o funeral, pelas 10h30, para o Cemitério de Colares.

Orlando Worm teve uma carreira de mais de cinco décadas em que iluminou teatro, bailado, ópera, jardins, concertos, recitais e exposições. "Em televisão faz-se grandes planos [dos actores] e o público vê o que o realizador quer mostrar. No teatro isso não é possível, não podemos fazer grandes planos. Mas podemos [com as luzes] separar os actores uns dos outros, podemos chamar a atenção do público para o actor que quisermos", resumia em 2006.

Nascido em Odivelas a 21 de Setembro de 1938, Orlando Worm estreou-se em palco não como iluminador ou técnico, mas como figurante na "Aida" de Verdi no Coliseu de Lisboa, como escrevia o "Diário de Notícias" num perfil do técnico em Abril. Tinha 16 anos, vivia em Lisboa há nove anos e começava assim uma carreira em que, pouco tempo depois, se tornava técnico de cena do Coliseu, electricista e técnico de cena no Grupo Experimental de Bailado da Fundação Gulbenkian, que se viria a tornar o Ballet Gulbenkian.

Tudo o que sabia, aprendeu com a prática. "Fiz o curso industrial [técnico] de electricidade, comecei a trabalhar em empresas de electricidade e às tantas fui parar ao Coliseu dos Recreios, a fazer reparações da instalação. Estando lá, não tendo nada a ver com o espectáculo, acabei por entrar no mundo dos espectáculos, porque as pessoas pediam-me ajuda para as afinações", recordava ao PÚBLICO após a atribuição do prémio Luzboa-Shréder, em 2006. Mas também com aquele que considerava o seu mestre, Liége de Almeida, chefe dos electricistas do Teatro São Carlos.

Passou muitos anos na Fundação Gulbenkian, trabalhando tanto como técnico quanto como performer: integrou durante anos o Coro Gulbenkian, entre outros grupos corais da área de Lisboa, tendo mesmo colaborado com a compositora Constança Capdeville na década de 1970, como indica o "Diário de Notícias" num perfil publicado em Abril deste ano. Seguiu-se um período de três anos no Teatro Nacional São Carlos entre 1989 e 1992, outros três anos no Centro Cultural de Belém e participou em eventos como Lisboa - Capital da Cultura 1994 e Expo 98 (Teatro Camões). Trabalhou também com o Teatro Nacional São João, no Porto.

"De cada vez que se criava novo espaço de espectáculos ou que era preciso um grande director técnico foi sempre a ele que toda a gente recorreu", diz o encenador e actor Luís Miguel Cintra num texto enviado ao PÚBLICO a propósito da morte de um amigo e colega.

Orlando Worm aliou-se ainda durante anos à produção teatral de companhias independentes como o Teatro da Cornucópia, onde se cruzou com Jorge Silva Melo e Luís Miguel Cintra, Escola da Noite, ou Teatro Experimental do Porto.

Foi um dos fundadores da Companhia Portuguesa de Bailado Contemporâneo em 2008 e participou na criação de obras de vários dos nomes essenciais da nova dança portuguesa e dos palcos portugueses, de Ricardo Pais a Olga Roriz, passando por Vasco Wallenkamp ou Fernanda Lapa.

E espalhou a sua luz e técnica pelo mundo. "Criei luzes, ou seja, criações novas, na Croácia, França, Moçambique, São Tomé e Príncipe, Bélgica.Agora, repor espectáculos já estreados em Portugal, isso são países que nunca mais acaba." Mantinha-se actualizado com as inovações tecnológicas, mas preferia o trabalho manual. E estava já satisfeito com a dimensão ganha pelo seu trabalho, pela luz, nos palcos teatrais, da dança ou dos concertos.

Pai de Isabel Worm, directora do Centro Olga Cadaval (Sintra) e padrasto de Daniel Worm d" Assumpção, também desenhador de luz e colaborador de longa data da Cornucópia, Orlando Worm venceu em 2006 o Prémio Luzboa-Shréder, atribuído pela direcção da bienal de Luz de Lisboa. O técnico foi homenageado a 22 de Maio deste ano com um espetáculo no Centro Cultural Olga Cadaval, em Sintra, pelos seus 50 anos de carreira.

Joana Amaral Cardoso in Público

Morreu António Feio

2010-07-29T16:34:00.000-07:00

António Feio morreu, esta quinta-feira, em Lisboa. O actor sofria de cancro e faleceu no hospital da Luz, às 23.25 horas.

António Feio nasceu em Lourenço Marques a 6 de Dezembro de 1954. Morreu, esta quinta-feira, aos 55 anos, em Lisboa, cidade de acolhimento desde os sete anos.

Festlip encerra 3ª edição!

2010-07-28T14:30:00.000-07:00

FESTLIP ENCERRA SUA TERCEIRA EDIÇÃO

COM PÚBLICO RECORDE DE 23 MIL PESSOAS

“Contos em viagem – Cabo Verde ganha o Prêmio Revelação do Festlip 2010

O Festlip 2010 encerrou sua programação contabilizando um público recorde de 23 mil pessoas que, durante 12 dias, assistiu gratuitamente a 40 sessões de 15 peças inéditas no Rio; duas oficinas teatrais; duas mesas de debates e uma exposição fotográfica nos teatros da Rede Sesc (Ginástico, Espaço Sesc, Tijuca e Casa da Gávea) e da Caixa Cultural – Teatro Nelson Rodrigues, além do Festlipshow que reuniu diversos artistas da música lusófona no Teatro Odisséia. Na cerimônia de encerramento realizada neste domingo, dia 25, no Espaço Sesc, a companhia portuguesa Teatro Meridional, dirigida por Miguel Seabra, recebeu o Prêmio Revelação do Festlip 2010, pela peça Contos em Viagem – Cabo Verde”, através de voto popular.

A partir de dramaturgia de Natália Luíza, a peça reúne textos em língua portuguesa e crioulo que, ao contar a história de Cabo Verde através de poemas e trechos de histórias do lugar, tratam de emoções e sentimentos universais. Com direção e projeto de luz de Miguel Seabra e cenário e figurinos de Marta Carreiras, o espetáculo é encenado pelo ator e músico Fernando Mota – que assina também a trilha musical – e pela atriz Carla Galvão. “Aqui sou representante de todos vocês e me orgulho muito disto. Este sonho agora não é só da Tânia, é de todos nós”, disse Miguel Seabra ao receber o troféu do Festlip 2010.

Primeiro festival a promover o intercâmbio teatral entre países da língua portuguesa, o Festlip já tinha batido outro recorde antes mesmo de começar sua terceira edição: pela primeira vez, contou com a participação maciça das oito nações lusófonas – Angola, Brasil, Cabo Verde, Guiné-Bissau, Moçambique, Portugal, São Tomé e Príncipe e Timor Leste. “Este ano foi importante para sedimentarmos o Festlip no calendário cultural da cidade. Além de contarmos com todos os oito países de língua portuguesa, vimos que o Festlip tem crescido ano a ano e tem potencial para ainda mais”, comemora a atriz e produtora Tânia Pires, idealizadora do Festlip. O evento reuniu em seu ano de estréia um público de 13 mil pessoas e chegou às 18 mil em 2009.

Realizado pela Talu Produções em parceria com a Rede SESC Rio e com patrocínio da Oi e da Caixa, além de apoio cultural do Oi Futuro. o festival homenageou este ano com o troféu Festlip 2010 a atriz e diretora portuguesa Maria do Céu Guerra, que trouxe a premiada Cia de Teatro A Barraca para encenar a peça Agosto - Contos de Emigração”– sucesso de público e crítica no Festlip – e ainda ministrou uma concorrida oficina teatral para os grupos participantes e ouvintes: “A troca de experiências é fundamental para o crescimento do teatro lusófono”, endossa a encenadora. “É uma experiência rica e emocionante para todos”, completa.

Portugal foi o país que compareceu este ano com o maior número de companhias. Além de A Barraca e do Teatro Meridional, vieram ainda as companhias Trigo Limpo – que apresentou “Chovem amores na rua do matador” com dramaturgia de Mia Couto e do angolano José Eduardo Agualusa –, e Binólogos, com o espetáculo “Filhas da mãe - Fantasias eróticas das mulheres portuguesas”. O Brasil foi representado por três companhias: os paulistas Os Fofos Encenam, com a peça “Ferro em Brasa” e Barracão Cultural, com “A mulher que ri”, e a goiana Cia de Teatro Novo Ato, com “Drummond 4 tempos”. Angola e Moçambique trouxeram dois grupos cada: do primeiro vieram a Companhia de Teatro Dadaísmo, apresentando “Olímias, e Miragens Teatro, com “4 e 30”. Do segundo, a Cia de Teatro Gungu encenou “A demissão de Sô Ministro”, e a Kudumba veio com “Só Cheira Borracha”. Guiné-Bissau retorna ao Festlip com o GTO – Grupo de Teatro do Oprimido, que trouxe a peça “Maria – Ritual das Parideiras”; assim como Cabo Verde, representado pelo Centro Cultural de Mindelo, com o espetáculo “Androginia”. Os estreantes Timor Leste e São Tomé e Príncipe marcaram presença no Festlip 2010 com o Grupo Arte Lorosae e a peça “Saramau”, e o Grupo Fôlô Blagi, que levou aos palcos “O pagador de promessas”, respectivamente.

Festlipshow aumentou seu público em 150%

Como tem sido desde sua primeira edição, o FestlipShow é um dos eventos mais concorridos da programação e ganhou este ano um espaço maior, o Teatro Odisséia, na Lapa. No sábado, 17 de julho, cerca de 2.500 pessoas – 1.500 a mais que no ano passado – foram conferir os shows dos brasileiros Teresa Cristina e Orquestra Voadora; do angolano Abel Duerê; do moçambicano Cheny Wa Gune, e do músico cabo-verdiano Hélio Ramalho, além de DJ MAM e da atriz Elisa Lucinda, que fez participação especial declamando Fernando Pessoa.

Entre as concorridas atividades paralelas, o Espaço Sesc recebeu no dia 20, a mesa de debates formada por Carlos Bequengue (Angola), Daniele Ávila (Brasil), João Dias (Portugal), Rosa Langa (Moçambique) e Rui Pina Coelho (Portugal), com mediação da crítica, ensaísta e professora Tânia Brandão, para falar sobre ‘A imprensa no universo teatral da língua portuguesa’. No dia seguinte, o Teatro Sesc Ginástico abrigou ‘O diálogo do teatro dos países da língua portuguesa’, mediado pelo dramaturgo e roteirista Bosco Brasil e com a participação dos brasileiros Domingos de Oliveira, Márcia Zanelatto e Lucianno Maza e Cândida Bila (Moçambique), José Menna Abrantes (Angola) e Pompeu José (Portugal).

Outra novidade da edição 2010 foi a exposição fotográfica itinerante “Teatro sem fronteira”, que percorreu os foyers dos teatros do Festlip. A mostra é o registro da oficina teatral itinerante conduzida de outubro a dezembro de 2009 pela atriz Tânia Pires nos oito países da CPLP, reunindo grupos de diversas formações para encenar textos de Ibsen.

Pelo terceiro ano seguido, o restaurante 0 Cozinha Contemporânea ofereceu um menu especial entre os dias 3 e 31 de julho, com pratos inspirados na culinária dos países participantes. Nesta edição, a Mostra Gourmet, batizada “O sabor da língua portuguesa”, foi criada pela chef Joana Carvalho e recebeu mais de 500 pessoas ao longo do mês.

O Festlip conta com apoio do Ministério da Cultura do Brasil, Secretarias de Cultura do Estado e Município do Rio de Janeiro, Oi Futuro, FUNARTE, DGArtes - Ministério da Cultura de Portugal, Instituto Camões, CPLP - Comunidade dos Países da Língua Portuguesa e todas as embaixadas dos países participantes.

A TALU PRODUÇÕES E MARKETING foi fundada pela atriz e produtora cultural Tânia Pires e pela jornalista e publicitária Luciana Rodriguez, a partir da idéia comum de desenvolver um trabalho abrangente e diferenciado de viver a cultura.

A proposta do trabalho se sustenta no modelo de transformação, através do investimento na diversidade e na fomentação da criação do artista. A filosofia da TALU se apóia na possibilidade de incentivar, divulgar e disseminar talentos nas mais diversas manifestações.

Com transparência nas relações e ousadia a TALU cria, planeja, desenvolve, produz e executa projetos culturais e sociais, desempenhando seu papel no mercado de forma ética, compromissada e singular.

A idéia do Festlip surgiu quando em uma viagem a Moçambique, África, Tânia Pires teve a oportunidade de dar aulas de teatro e conhecer de perto a manifestação artística de seu povo. A experiência de ver a diversidade das artes cênicas, através da língua portuguesa, motivou uma pesquisa sobre o teatro em todos os países que falam o português, nascendo então o Festival de Teatro da Língua Portuguesa, o Festlip.

Cornucópia estreia em co-produção com a companhia Nao D'Amores

2010-07-02T13:29:00.000-07:00

Motivado mais por verdadeiras relações artísticas que integrado numa estratégia de internacionalização da Companhia, ainda que naturalmente ela acabe por acontecer, o Teatro da Cornucópia fecha a sua temporada 2009/2010, com uma co-produção com a Companhia Nao D’Amores (Espanha): DANÇA DA MORTE/ DANÇA DE LA MUERTE espectáculo bilingue, encenado por Ana Zamora, em que participam elementos de ambas as companhias.

Nao D’Amores é uma estrutura profissional independente, criada em 2001 e dirigida por Ana Zamora, que tem vindo a apresentar com enorme sucesso espectáculos que pretendem ser a reinvenção de um teatro primitivo com uma qualidade lírica muito particular, a partir de textos e música antiga peninsulares, e recuperando várias formas de expressão artísticas de influência tradicional popular como danças, marionetas, música ao vivo com réplicas de instrumentos antigos, e elementos vários inspirados no folclore tradicional. A companhia já apresentou em Portugal, convidada pelo Festival de Almada, O Auto dos Quatro Tempos de Gil Vicente, e no Teatro do Bairro Alto, o Misterio del Cristo de los Gascones. Desta vez e a convite da Cornucópia, faz uma criação em Portugal, ensaiada e estreada no Teatro do Bairro Alto, com a colaboração do Festival de Almada e nele integrada, que parte do texto Castelhano do século XV Dança General de la Muerte e que integra também textos vários de Gil Vicente. Trata-se de uma nova abordagem do tema das Danças Macabras tão tratado por toda a Europa no fim da Idade Média. Segundo Ana Zamora, Dança da Morte/Dança de la Muerte é uma fantasia da imaginação popular, uma viagem no tempo para reviver os mitos que ajudaram a mitigar o absurdo da morte, nascida no actual contexto cultural, em que se tende a negá-la e a afastar a sua lembrança, substituindo o ancestral anseio de imortalidade por uma imatura ficção de “a-mortalidade”.

No espectáculo intervêm 3 actores (Luis Miguel Cintra, Sofia Marques e Elena Rayos) e 3 músicos (Eva Jornet - Flautas, Cromornos e Chirimía, Juan Ramón Lara - Viola da Gamba e Fídula e Isabel Zamora - Órgão) que formam um pequeno conjunto de executantes de uma nova e festiva “dança macabra” para a qual foi fundamental o trabalho de Alícia Lázaro na Direcção e Selecção Musical, de Javier García Ávila na Coreografia e Vicente Fuentes como assessor para a dicção do verso. A cenografia é de David Faraco e os figurinos de Deborah Macias, também habituais colaboradores de Nao D’Amores.

Dança da Morte/Dança de la Muerte tem a sua primeira série de representações de 6 a 13 de Julho no Teatro do Bairro Alto, integrada no Festival de Almada. Parte depois para a primeira digressão em Espanha onde estará nos Festivais de Olmedo, Almagro e em Gijón, e volta ao Teatro do Bairro Alto para uma segunda série de representações de 30 de Setembro a 17 de Outubro.

Entretanto, de 22 a 26 de Setembro, a Companhia irá repor o seu espectáculo IFIGÉNIA NA TÁURIDA de Goethe no Teatro Municipal de Almada.

DANÇA DA MORTE/DANÇA DE LA MUERTE

Dramaturgia e encenação

ANA ZAMORA

Intérpretes

LUIS MIGUEL CINTRA

SOFIA MARQUES

ELENA RAYOS

Interpretação musical

EVA JORNET (flautas, cromorno e chirímia)

JUAN RAMÓN LARA (viola de gamba)

ISABEL ZAMORA (órgão)

Arranjos e direcção musical

ALICIA LÁZARO

Coreografia

JAVIER GARCÍA ÁVILA

Assessor para a dicção do verso

VICENTE FUENTES

Cenário e Figurinos

DAVID FARACO

DEBORAH MACÍAS

Desenho de luz

MIGUEL ÁNGEL CAMACHO (A.A.I)e PEDRO YAGÜE

Montagem e operação de luz

RUI SEABRA

Assistente de encenação

MANUEL ROMANO

Desenho gráfico

CRISTINA REIS

Director técnico em Lisboa

JORGE ESTEVES

Director de produção de Nao d´amores

GERMÁN H. SOLÍS

Secretária do Teatro da Cornucópia

AMÁLIA BARRIGA

Charlote Rampling no palco do São João

2010-07-02T13:23:00.000-07:00

"Yourcenar / Cavafy"

16 de Julho

no Teatro Nacional de São João

O Festival de Almada no São João

No interior de um dispositivo cenográfico minimalista, a actriz britânica Charlotte Rampling e o actor grego Polydoros Vogiatzis ficcionam uma inesperada conversa literária entre Marguerite Yourcenar e Konstandinos Kavafis, dois tremendos poetas das vozes do presente e das vozes do passado, duas figuras fascinadas pelo esplendor da Antiguidade Clássica. Fragmentos de romances e ensaios de Yourcenar (Memórias de Adriano, Fogos, A Obra ao Negro) cruzam-se com poemas de Kavafis, um “esteta melancólico” que alguém já considerou, a par de Eliot, “o maior poeta da primeira metade do séc. XX”. Yourcenar / Cavafy ou a confirmação do teatro como porto de abrigo destes artesãos da palavra que fingem “tão completamente”.

concepção Jean-Claude Feugnet interpretação Charlotte Rampling, Polydoros Vogiatzis, Varvara Gyra produção Les Visiteurs du Soir (França)

"O Dia de Todos os Pescadores" no Carlos Alberto

2010-07-02T13:20:00.000-07:00

15 a 31 de Julho

no Teatro Carlos Alberto

Felizes aqueles que lêem e encenam publicamente o trabalho de alguém que nos diz que “não ser feliz, nos tempos que correm, é uma precaução necessária”, ou que “há já demasiada felicidade no mundo da cultura”. É um lugar sem vagar para a complacência, este de onde nos fala Francisco Luís Parreira, um investigador universitário que é também um homem de teatro, por via das palavras que escreve, enquanto dramaturgo e tradutor, ou que coloca em situação, na qualidade de actor ou encenador. Exercita a escrita dramática para lhe restituir mundo, que é como quem diz que o teatro é primordialmente um lugar de pensamento e de conhecimento. Depois de ter assinado a tradução de dois textos de Mark O’Rowe (Terminus e Ossário), regressa agora, em discurso directo, ao convívio com a ASSéDIO, companhia que promove a estreia absoluta de O Dia de Todos os Pescadores (onde interna a psicopátria no serviço de cuidados intensivos) e a leitura encenada do inédito O Terceiro Recordado (onde um casal no domingo da vida, ao serão, tenta recuperar a memória de um amigo remoto e desaparecido). A terminar esta dupla jornada, lugar ainda para uma conversa com o autor, outra oportunidade para nos familiarizarmos com a corrosiva (e necessária) voz de Francisco Luís Parreira.

de Francisco Luís Parreira encenação João Cardoso cenografia Sissa Afonso figurinos Bernardo Monteiro desenho de luz Nuno Meira sonoplastia Francisco Leal interpretação João Cardoso, Jorge Mota, Micaela Cardoso, Pedro Frias, Rosa Quiroga co-produção ASSéDIO – Associação de Ideias Obscuras, TNSJ

"Casimir et Caroline" no Teatro Nacional de São João

2010-07-02T13:17:00.000-07:00

Dia 9 de Julho

Munique, anos 1930, uma noite na festa da cerveja, posto de observação que Ödön von Horváth escolheu para contar, em Casimir et Caroline, a euforia angustiada de uma geração a viver o pesadelo do período entre as duas Guerras Mundiais. Uma peça política, sem “mensagem” e sem moralismos de circunstância, que permite a Emmanuel Demarcy-Mota prosseguir a sua pessoalíssima reflexão sobre a condição dos heróis contemporâneos, homens sem qualidades submersos em violentas crises identitárias, primos direitos do Bérenger de Rhinocéros, de Ionesco (que o TNSJ acolheu em 2006), ou do Galy Gay de Homme pour homme, de Brecht. “Carrossel fúnebre”, lemos numa recensão crítica a este espectáculo rigoroso e feérico, de uma tristeza serena, o primeiro que Demarcy-Mota assinou na qualidade de director do parisiense Théâtre de la Ville.

de de Ödön von Horváth encenação Emmanuel Demarcy-Mota co-produção Théâtre de la Ville – Paris, La Comédie de Reims, Le Grand T – Scène Conventionnée de Loire-Atlantique (França) duração aproximada 1:40 classificação etária M/12 anos

Câmara quer demolir Teatro Maria Vitória

2010-07-02T13:11:00.000-07:00

A Câmara de Lisboa quer demolir o Teatro Maria Vitória e construir uma sala de espetáculos maior naquele local, segundo a proposta de Plano de Pormenor para o Parque Mayer aprovada quarta feira em reunião de câmara.

Em declarações à Lusa, o presidente da autarquia, que quando confrontado quarta feira com o assunto pelo vereador Pedro Santana Lopes não respondeu, acabou por confirmar: «Vai tudo abaixo e constrói-se um novo».

Contactado pela Lusa, o arquiteto responsável, Manuel Aires Mateus, explicou: «aqueles edifícios já não têm hipótese de recuperação. Este será maior, até porque aquelas eram salas muito pequenas e não daria para rentabilizar».

Localização

Travessa do Salitre/Parque Mayer

Data

1922

O teatro Maria Vitória, idealizado por Luís Galhardo, foi o primeiro teatro construído no Parque Mayer. De início, um edifício de madeira, abre as portas com a revista Lua Nova, obtendo, desde os primeiros anos, grandes êxitos de bilheteira.

O golpe militar de 1926 e posteriormente a ascenção de Salazar, levam a censura aos textos teatrais. Os jogos de palavras e as metáforas passam a ser usadas como forma de iludir a censura. A primeira revista censurada, "Ás de Espadas", é apresentada, logo em 1926, permitindo-se algumas insinuações políticas ao novo regime.

Numa zona que se encontra em fase de reconversão, o Maria Vitória, é o único teatro que se mantém em funcionamento

Um Dia Dancei SÓ Dancei Um Dia", Emergente em Almada

2010-07-02T13:06:00.001-07:00

UM DIA DANCEI SÓ DANCEI UM DIA

7 a 18 Julho

Teatro Municipal de Almada - Sala Experimental

O TNDM II apresenta, numa co-produção com a Rosa74 Teatro e em co-apresentação com o Festival Internacional de Teatro de Almada, um dia dancei SÓ dancei um dia, de Daniel Gorjão, texto vencedor do projecto Emergentes – Ciclo Novos Criadores / Novas Linguagens.

Este espectáculo cruza em cena o trabalho das co-criadoras e intérpretes Katrin Kaasa e Teresa Tavares com depoimentos em vídeo gravados com várias mulheres que lêem cartas de amor que receberam ou escreveram. O amor, tema universal, surge como forma de expressão do “eu” e manifestação de uma experiência individual. É o olhar – como as palavras – das mulheres filmadas, que dá mote à criação do espectáculo.

"U, Due, Três" acolhido no Meridional

2010-07-02T13:03:00.000-07:00

7 a 18 de Julho

QUA a DOM às 22h

Um português, um catalão e um italiano encontram-se numa trincheira. Não é uma anedota, é o ponto de partida de U, Due, Três. Num espaço indefinido, que ganha vida à medida que o espectáculo avança, três actores vêem-se imersos numa situação surreal: uma guerra sem um inimigo identificável. O espaço, um quadrado vazio marcado apenas por fita adesiva branca, transforma-se em pátio, trincheira, campo de jogos, de vida e quase de morte, espaço onde cada um dos actores tem um momento biográfico para falar de si e da sua terra, espaço onde os três actores esperam, abrigados da ameaça iminente que parece não acontecer. Cada um vem de um lugar diferente, tem um passado diferente, não sabia que ia encontrar outras pessoas, primeiro isolam-se e depois decidem partilhar tudo o que têm. Um dramaturgo, de fora deste espaço, como um deus ex machina controla os fios de tudo o que acontece dentro do quadrado, manipula através de indicações que escreve e lança para cena. Ordens pouco claras que são cumpridas e que quebram o delicado equilíbrio das três personagens na trincheira. Em U, Due, Três tal como na realidade, a guerra transforma-se em jogo e o jogo em guerra.

Ficha Artística

Companhia Jogijo

Título U, DUE, TRÊS

Línguas italiano, portugués, catalán

Actores Jordi Arqués (CAT), Rui Pedro Cardoso (P), Stefano Panzeri (I)

Dramaturgia Gerard Guix (CAT)

Ideia, desenho cénico e direcção Jogijo

Desenho de luz Toni Font

Música original José Júlio Lopes

Duração 60 minutos

Apoios Instituto Italiano de Cultura de Lisboa; Espaço das Aguncheiras; Teatro Meridional

Classificação etária M/12

Júlio Cardoso no Palco da Vida

2010-07-02T12:59:00.000-07:00

Depois de meio século de vida teatral de Júlio Cardoso que, apesar de ter como lema “hoje e amanhã é que importam, o passado já foi”, evocou alguns passos da sua vida e da sua carreira ao escritor António Rebordão Navarro, o qual escreveu o livro “JÚLIO CARDOSO NO PALCO DA VIDA”.

Na próxima 5ª feira, dia 8, às 21h30 o livro vai ser lançado no Teatro Municipal Constantino Nery, em Matosinhos, e será apresentado pelo Prof. Arnaldo Saraiva.

Na ocasião serão também inauguradas as exposições Fragmentos de um Quimérico Võo e obras do artista Paulo Carteiro, alusivas á carreira do actor, que ali irão permanecer até final de Julho.

Nos dias seguintes – 9 e 10 – às 21h30, naquele mesmo Teatro, haverá representações da obra EU SOU A MINHA PRÓPRIA MULHER, tendo como protagonista Júlio Cardoso, e com encenação de João Mota.